Hundested, Dinamarca, 1976
Vive y trabaja en Berlín

 

Bio

 

Nina Beier es egresada de The Royal College of Arts, Londres (2004). Recientemente ha expuesto su obra en muestras individuales en Objectif Exhibitions (Amberes, 2012-16); Standard Oslo, (Oslo, 2013); Proyectos Monclova, (Ciudad de México, 2013); Laura Bartlett Gallery, (Londres, 2012); Kunsthal Charlottenborg, (Copenhague, 2011-12); Croy Nielsen, (Berlín, 2011 y en 2014); así como en exhibiciones colectivas en el Centre Pompidou (París, 2013); Museum of Contemporary Art (Detroit 2013); Museion Bozen (Bolzano 2012); The Artist ́s Institute (Nueva York, 2012); KW Institute for Contemporary Art (Berlín, 2012); Index (Estocolmo, 2012); Tate Modern (Londres, 2012); Moca (Miami, 2011); Extra City (Amberes, 2011); y The Swiss Institute (Nueva York, 2011).

Nina Beier

Real Estate, 2013
Reposacabezas de asientos de coche,
piel, aluminio y mármol
170 x 20 x 20 cm

Real Estate es una serie escultórica que emplea una “lógica de Sísifo” circular para enfrentar la relación entre producción y fatiga. En este caso, reposacabezas de asientos de auto, sillas de masaje, sillas de oficina, etc., se encuentran montados sobre bloques de mármol. Constituyen hombros artificiales sobre los que uno se apoya. Son rocas, tal como las encontramos en un universo metafórico, sin mayor adorno. Después de todo, la definición de la inmobiliaria es propiedad que no se puede mover.

Nina Beier
Nina Beier

Flowage, 2013
Bombardinos, mangeras para regar, aire y agua.
Dimensiones variables

A través de una serie de tubas que se conectan con la tubería de la galería por medio de mangueras, Beier fija la mirada en la imposibilidad de que un significado adecuado o definitivo sea inherente en lo que observamos. Al vincular dos objetos que parecen ser antitéticos, la artista cuestiona las posibilidades infinitas que existen en una asociación de ideas ante dos conceptos que no parecen ir juntos.

Nina Beier

Greens (£10), 2013
Impresión sobre toalla, palma presionada,
vidrio, foam, MDF.
74 x 150.5 x 7 cm
Única

In la serie titulada Greens, la artista ha prensado plantas en forma de palmeras en toallas grandes para retratar billetes de banco de varias monedas internacionales. Estas plantas prensadas son representaciones del mismo material que retratan. En estas nuevas obras Nina Beier retoma el estatus de estos objetos —un estatus parecido a el de una imagen— pero de manera literal. Apretados para lograr la bidimensionalidad, debajo cristales gruesos e incluso arreglados para asemejar composiciones visuales, los componentes de sus arreglos, a pesar de que se queden en una especie de limbo, son, por último, más una imagen que un objeto, más un concepto que una cosa.

Nina Beier
Nina Beier

Minutes, 2013
Tapete Wagireh, peluca de pelo natural.

En Minutes, Beier coloca pelucas sobre tapetes Wagireh. Originalmente usados para comunicar diferentes familias de estilos, o como muestras utilizadas por vendedores ambulantes, estos pequeños tapetes constituyen un resumen comprimido de todos los patrones de un tapete verdadero. Las pelucas, prensadas contra los tapetes, son de pelo real; cortes de pelo ya congelados —y de otras épocas— hechos de cabello que jamás volverá a crecer.

Nina Beier
Nina Beier

Portrait Mode, 2013
Ropa de segunda mano
125 x 63 cm

Orientada de manera vertical, a escala humana, abultada y repleto de prendas descartadas y pasadas de moda, esta serie de marcos juega con el espacio entre lo animado y lo congelado. La obra hace una reflexión acerca de la relación entre la filantropía y la apología, la violencia económica y simbólica, y la caridad. Al regresar a los motivos de las pieles y el animal print, Beier reafirma su interés en la relación inestable entre el mensajero y el mensaje, el exterior y el interior, subrayando una comercialización diminutiva que convierte lo exótico en lo cotidiano.

Nina Beier
Nina Beier

The Demonstrators,
Poster de imagen de stock, pegamento sobre varios objetos. Dimensiones variables

The Demonstrators aplica imágenes de archivo impresas en cartulina, colgadas sobre algunos objetos y pegadas a otros. Como imágenes son a la vez vacías y plenas como metáforas que deliberadamente llegan a ser las indicadas para una amplia gama de contextos y mercados. A la vez que estas imágenes fragmentadas y muertas se apegan desesperadamente a verdaderos objetos en el espacio, vuelven a tomar vida, animadas por una nueva variedad de (in)coherencia yuxtapuesta. Una encima de la otra. En The Demonstrators encontramos la cultura familiar del mundo corporativo del capitalismo tardío: muebles de oficina genéricos y salones de reuniones, imágenes que parecen empeñarse en ser las más insípidas y banales posibles para no ofender a ningún público. De este modo Beier crea un nuevo realismo, revelando y creando desplazamientos dentro de la lógica estética y económica que controla el diseño de los espacios que habitamos hoy.

Nina Beier
Nina Beier
Cali, Colombia, 1972
Vive y trabaja en Berlín


Bio


La práctica artística de François Bucher aborda temas relacionados con la construcción del poder, la historia y la política. Sus obras muestran interés sobre el concepto de representación, así como la relación que existe entre la construcción de la imagen, el lenguaje y la realidad a la que se refieren. Durante su proceso artístico, Bucher hace continuas referencias a la ciencia con acercamientos místicos sobre la concepción del mundo, tales como el chamanismo; difuminando de tal manera la línea entre los modelos comúnmente aceptados de la verdad y la superstición. Su interés por la representación también cuestiona las articulaciones éticas particulares a las que da forma, tales como la asociación entre la violencia y la imagen de la violencia.


Formalmente, Bucher se centra principalmente en la instalación, la fotografía y el video, mostrando un cierto interés en el paso de la imagen en movimiento desde el cine a la televisión.
Francois Bucher

La duración del presente, 2013
Instalación, técnica mixta; Dimensiones variables.


La duración del presente es el nombre de uno de los múltiples experimentos en neurofisiología realizados por el científico mexicano de la Universidad Nacional Autónoma de México, Jacobo Grinberg-Zylberbaum. Grinberg fundó y dirigió durante años un laboratorio de vanguardia a nivel mundial, en Psicofisiología, un laboratorio dedicado al estudio de la consciencia.
La duración del presente investiga el umbral diminuto y a la vez infinito que llamamos “el tiempo presente”.

Francois Bucher

Trece reproducciones de resonadores Helmholtz + serigrafía, 2013
Dimensiones variables


Los resonadores Helmholtz, inventados por Hermann Von Helmholtz en el siglo XIX en Berlín, sirvieron para analizar la percepción de tonos a nivel fisiológico. Cada resonador es fabricado para resonar con una frecuencia específica. El resonador Helmholtz es análogo en su función al fenómeno que se denomina “resonancia Schumann” que describe la frecuencia de la cavidad comprendida entre la ionosfera y la superficie terrestre. Los terrícolas vivimos en esta frecuencia.

Francois Bucher
Francois Bucher

Este video termina con una declaración sobre el estado de ocio del hombre contemporáneo, un ser que no sabe nada sobre sí mismo, y que ni siquiera recuerda cómo hacerse las preguntas para cuestionarlo. Como diría Don Aurelio, el guardián de la montaña de Amatlán: nos apagamos (apagamos nuestra visión) cuando prendemos la TV (la falacia cegadora de la tele-visión artificial. Jacobo Grinberg –el hombre que literalmente desapareció en 1994 – plantea que es a este hombre de nuestros tiempos al que se dirige con su propia Teoría Sintérgica. Porque es a él a quien le ofrece un posible centro, en medio de la dispersión prevalente. A través de esta teoría, Grinberg dice: “estaremos en la mera raíz de la creación de cualquier realidad”. De cualquier manera, el trabajo tiene la capacidad de hablar sobre la construcción de la imagen en el sentido en el que el Arte lo comprende, y sobre la naturaleza del lenguaje.

El chamanismo es usado como paradigma: el chamán como un ser de coherencia. Y esta coherencia se traduce como estar en contacto con el lenguaje que produce, transforma, ACTÚA en el mundo, en la multi-esfera de lo que tenemos, hasta ahora, llamado el lenguaje sagrado en forma convexa, más allá de la cóncava (referencial); una construcción geométrica, un cristal que juega sobre el significado en una resonancia pluri-vocal, un generador de poder, un materializador, y un desmaterializador de lo real.



El hombre que desapareció, 2013
Video HD de un canal
20 min.

Francois Bucher

La segunda y media dimensión
– Una expedición a la meseta fotográfica,
2010
Instalación, Técnica mixta en dimensiones variables

Francois Bucher
Francois Bucher

Chronique d’un film, 2011
Video en blanco y negro, sonido
Colaboración con Ayreen Anastas y René Cabri


Chronique d’un film está basado en el film Chronique d’un Été, de Jean Rouch y Edgar Morin. El proyecto revisa el ethos revolucionario de los sesenta –intencionado– que como proyecto colectivo permanece inacabado. Los artistas se dedicaron a analizar el film de Rouch y Morin y decidieron recuperar los momentos más intensos, hacer una nueva edición y redimir la oportunidad perdida.

Francois Bucher
Francois Bucher

Una mujer sobrevive una muerte clínica en 1988 y despierta escuchando voces en su cabeza. Samuel, un espíritu, ha empezado a hablar a través de ella. La gente la identifica como una médium. Samuel proclama que tiene la misión de salvar al mundo antes del año 2012. Rápidamente, el nombre de la entidad cambia de Samuel a EN KI, un dios sumerio que aclama ser el padre de la raza humana.La misión está en marcha: desenterrar a la momia de Keops, el constructor de la Gran Pirámide, y encontrar a un hombre en una montaña sagrada en Perú, Severiano Olivares, quien necesita recordar algo, de una encarnación anterior, sobre la construcción de la pirámide en Egipto.










Todo esto debe lograrse a tiempo para salvar a la humanidad del recurrente ciclo de destrucción que ya ha comenzado. Hay otra manera de contar la historia: un hombre, emocionado por su despertar espiritual –tras una ceremonia chamánica en Colombia– decide retratar una historia misteriosa que involucra un cierto grupo en Polonia: encargados de la – así llamada– misión para salvar la tierra. Le entusiasma errar en el lado de la duda en cada paso de sus aventuras dentro de un recién descubierto mundo esotérico. Pero la duda y la creencia son precisamente las cuestiones en juego, siendo la retrospección, el verdadero nombre del juego en el que se ha involucrado.”
-François Bucher



La nuit de l’homme,
2008-2011
Video a un canal
1:44 mins

Francois Bucher
Francois Bucher

Onda Corta, 2007
Fotografías en blanco y negro
Instalación de diapositivas de 35 mm con audio


Fotografías de gran formato, instalación con audio y diapositivas de una serie de imágenes tomadas en las ruinas de una de las muchas mansiones de Gonzalo Rodríguez Gacha, alias “El Mexicano” – segundo hombre en la línea de mando del Cartel de Medellín en la década de los ochenta. Las fotografías son escenas montadas en las que un niño de nueve años actúa como una especie de DJ de la historia reciente de Colombia, mezclando imágenes y sonidos de diferentes fuentes (que son utilizados en la banda sonora de la instalación). Algunas de estas fotografías muestran barquitos de papel abandonados hechos a partir de hojas de periódicos y revistas colombianas, en los que una larga historia de violencia puede ser percibida indirectamente.

Francois Bucher
Francois Bucher

Severa Vigilancia (Haute Surveillance), 2007
Video HD a color + sonido (español con subtítulos en inglés)
36 min.


Este proyecto se desarrolla a partir de un evento real que ocurrió en un seminario de teatro del programa de maestría de la Universidad de Antioquia, en Medellín, Colombia. Este seminario se llevó a cabo durante uno de los periodos de mayor violencia dentro de la Universidad. Dos estudiantes, encargados de una exposición sobre la vida y obra del autor francés Jean Genet, decidieron gastar una broma a sus compañeros –una broma que involucraba un secuestro armado. Su idea era ejecutar la esencia de la obra de Genet en vez de presentarla de manera convencional.

Francois Bucher

Fotografía de cacería
de zorros en la sabana de Bogotá,
2007


Instalación. 50 fotografías de diferentes tamaños, 2 mesas, 1 taza de té y material fotográfico de las imágenes fueron encontradas

Francois Bucher

About a Date in the Past Brought Forward by a Date in the Future, 2005
Impresión lambda sobre aluminio
80 x 100 cm


Una pancarta con la última fotografía de Salvador Allende vivo es colocada en Zona Cero,en Nueva York. Los ojos de Allende se encuentran con los aviones de guerra que se aproximan a bombardear el palacio de La Moneda, en la entrada donde él se encuentra. La fecha es el 11 de septiembre de 1973; en un golpe militar respaldado por EE.UU., el General Augusto Pinochet toma el poder
en Chile y comienza su larga dictadura. Los ojos de Allende también se encuentran en un vacío virtual con la trayectoria de dos aviones más, aquellos que 28 años después inaugurarán otro periodo de ruinas.

Francois Bucher

White Balance (Thinking is Forgetting Differences), 2002
Video a color + sonido. 32 min.


White Balance (Thinking is Forgetting Differences) es un esfuerzo por descubrir las geografías del poder, las fronteras del privilegio. La obra se acerca a este problema desde distintos ángulos creando cortos circuitos de sentido que son a su vez soportados por encuentros audiovisuales inéditos. Imágenes de varias fuentes, de internet y de la televisión son mezcladas con imágenes tomadas en Manhattan antes y después de los atentados del 11 de Septiembre. El video presenta una pregunta que a la que se retorna una y otra vez, una pregunta cuya dimensión nos excede, necesariamente. Yvonne Rainer hizo esta pregunta en su película Privilege: “…será que racistas en recuperación es todo lo que podemos aspirar a ser?” En este sentido ofrecer una meta-narración que pretendiera describir el tema en su totalidad sería ignorar los niveles de complejidad que se esconden en este problema. El video opta por un lenguaje poético, un modo que pretende estimular el pensamiento, concentrándose en los inicios de la experiencia audiovisual; en el momento pasajero del medio, entre las imágenes y las palabras.

Francois Bucher


San Luis Potosí, México, 1976
Vive y trabaja en la Ciudad de México
Bio


José León Cerrillo se graduó de la Universidad de Columbia, Nueva York en 2003. Su trabajo se enfoca en varios aspectos de la modernidad y en su legado en el arte contemporáneo. Sus objetos escultóricos e instalaciones se convierten en puntos de discusión sobre las estructuras que dan forma a la percepción de los sujetos que interactúan con ellas, mientras que un grupo diferente de obras con referencias al diseño gráfico, inciden en temas de la comunicación, difusión y recepción de información. Visto de esta forma, el trabajo abstracto de Cerrillo puede entenderse como sistemas de representación alternativos y como investigaciones sobre la relación entre sujeto y objeto.
Jose Leon Cerrillo

Trece canciones originadas a partir de los escritos del filósofo Ludwig Wittgenstein, constituyen el núcleo de la colaboración entre Saralunden y José León Cerrillo. La letra de las canciones está basada en elementos del libro Bemerkungen über die Farben (Observaciones sobre los colores), y fueron escritas entre 2009 y 2011. En sintonía con las investigaciones de Wittgenstein sobre cómo se puede hablar sobre color y transparencia, esta serie de performances está construida alrededor de sombras y proyecciones. La primera instalación de esta serie se desarrolló en 2009, como parte de y dentro del contexto de la exposición Hotel Edén de José León Cerrillo en Proyectos Monclova. Para 2010, la segunda iteración de Wittgenstein Suite se dio como parte de la “Residencia como exhibición” de Cerrillo en la Schindler House de Los Ángeles en 2010, bajo el título Schindler’s Window/Platos Cave, que manifestaba en inevitable guiño platónico de la obra. La última instalación fue en 2012 en el Tensa Konsthall de Estocolmo, como parte del proyecto curatorial de Marie Lind, Abstract Possible, que investigaba sobre las formas de abstracción actuales.



Hotel Edén, 2009
Instalación
Proyectos Monclova, 2009

Jose Leon Cerrillo



Hotel Edén, 2009
En colaboración con Saralunden. Instalación, performance
Proyectos Monclova, 2009

Jose Leon Cerrillo

Hotel Eden Revisted, 2012
Instalación.
Como parte de Abstract Possible
en el Tensta Konsthall, Estocolmo

Jose Leon Cerrillo

Schindler’s Window, Plato’s Cave, 2011
Colaboración con Saralunden.
Instalación, performance
Schindler’s House, Los Angeles, 2011.

Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo

The Wittgenstein Suite, 2012
Instalación, performance
Proyectos Monclova, Feb. – Mar. 2012

Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo

Ejemplo inestable (01), 2013
96 x 76 cm, Hierro, esmalte


Ejemplo inestable (03), 2013
96 x 76 cm, Hierro, esmalte

Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo

Doble agente 1, 2009
Acero, laca automotiva, vidrio reflecta plata
110 x 70 c/cara


Doble agente 2, 2009
Acero, laca automotiva, vidrio reflecta plata
110 x 70 c/cara

Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo

La nueva psicología 05, 2010
Acero, pintura electrostática
75 x 50 c/u


Estas obras, más que estar pensadas como escultura, están pensadas como estructuras, tanto en la acepción arquitectónica como en la filosófica. La escultura enmarca un vacío en representación de la analogía de una posible estructura de lenguaje-significación: forma y contenido, palabra y significado, ya que al enmarcar un vacío es una negociación con la posibilidad de entenderlo como un plano o una totalidad, y es, entonces, a partir de esa negociación que se construye una estructura. Las esculturas interrumpen el acto de representación-significación, evidenciando la problemática y la necesidad de interpretación. El vacío enmarcado se debe leer como plano para que la escultura-estructura funcionen.

Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo

Hotel Edén, 2009
Acero, serigrafía sobre vidrio
Dimensiones variables.


Sin título, 2008
Serigrafía sobre acetato, marco de madera

Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo

Sin título, 2008
Serigrafía sobre acetato
50.8 x 60.9 cm

Jose Leon Cerrillo

De la serie:
de and perse and, 2007
Serigrafía sobre madera
91 x 71 x 4 cm c/u


Vista de instalación de Futuro Anterior,
galería OMR, 2007

Jose Leon Cerrillo
Jose Leon Cerrillo

Londres, Inglaterra, 1982
Vive y trabaja en Berlín

 

 

Nacido en 1982 (Londres) Fujiwara ha creado un rico y complejo cuerpo de obras interconectadas que abordan performance, cine, instalación, escultura y textos. Al ponerse en contacto tanto con experiencias reales como imaginadas, como con acontecimientos históricos más trascendentales, su extensiva práctica ha sido descrita como un “viaje autobiográfico por la arquitectura de la vida moderna que se reconstruye constantemente y que a la vez se recuenta”. Sus exhibiciones y proyectos suelen funcionar a manera de estructuras invisibles dentro de las cuales sus protagonistas —familiares, amigos de la vida real, figuras históricas— así como acontecimientos pasados y futuros, conviven e interactúan para generar escenarios en los que lo real y lo imaginado deja de distinguirse. Las narrativas personales de Fujiwara forman un núcleo inestable desde el cual se observa y se re actúa el mundo, enfrentándonos con nuestras propias nociones de verdad, autenticidad, moralidad y la credibilidad del artista como narrador.

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

Studio Pietà (King Kong Komplex), 2013
Video 20:30 min.
Instalación; técnica mixta
Dimensiones variables.

Studio Pietà (King Kong Komplex) recuenta la historia del intento de Simon Fujiwara de re-presentar en escena una fotografía perdida que retrata a su madre, ésta en los brazos de un novio libanés. La foto fue tomada en una playa cerca del Casino du Liban, donde la madre trabajaba de bailarina de cabaret a finales de los 1960. En lo que empieza aparentemente a modo de una sencilla reconstrucción, Fujiwara comienza a entender su papel como director, así como los poderes no deseados con los que cuenta. Tanto en el casting, como al diseñar el set e incluso al seleccionar el maquillaje, el artista se entra a un laberinto de cuestiones sociales y políticas de las cuales no tiene respuestas.

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

Letters from Mexico, 2011
Instalación; dimensiones variables.

El título de esta instalación hace eco de las Cartas de relación que publicó Hernán Cortés, el “conquistador” español al mando de la expedición que derrocó al Imperio Azteca (hoy el centro de México) en 1521. Cortés escribió su historia personal de la conquista en cinco cartas enviadas al rey de España, Carlos I, que para ese entonces había llegado a ser Carlos V, Emperador del Sacro Imperio Romano.
Como Cortés, Fujiwara es un europeo que viajó por México y, también a la manera de Cortés, recuenta sus experiencias en una serie de ocho cartas.

Las cartas que Fujiwara escribe desde México revelan un entusiasmo inicial ante la cultura local que va de lo atractiva de su arquitectura a los ricos sabores de su comida. No obstante también hacen evidente su posterior desencanto con la desigualdad de su sociedad cuya manifestación más evidente es su notable violencia.
Los textos de Fujiwara fueron escritos a máquina en Plaza Santo Domingo, un área del Centro Histórico de la Ciudad de México conocida por sus escribas tradicionales. Estos mecanógrafos callejeros ayudan a los analfabetos al transcribirles cualquier escritura desde documentos oficiales hasta historias personales. Fujiwara dictaba sus textos a un grupo de escribas a lo largo de unas semanas en el invierno del año 2010-2011.
Ya que no entendían inglés, los escribas mecanografiaban de manera fonética las palabras del artista. Perdidas en la traducción, esta comunicación parecen simbolizar un malentendido aún vigente entre mexicanos y europeos.

Simon Fujiwara

Fujiwara enmarcó cada una de las transcripciones y las presentó al lado de un conjunto de recuerdos y otros artículos que guardó de su viaje. La primera incluye un billete aéreo Lufthansa y una espada de juguete metálica dentro de una antigua edición de las Cartas de relación de Cortés, así como una foto de un letrero en azulejos que identifica la Plaza Santo Domingo. Asimismo, Fujiwara envió artículos mexicanos a Europa tales como una réplica del cráneo de un conquistador, un sombrero y una hoz revolucionaria. A modo de un gabinete de curiosidades, la muestra recrea la atmósfera de un museo antropológico. En 2010, México celebró simultáneamente el bicentenario de su independencia así como el centenario de su revolución. Fujiwara evoca la relación colonial entre España y México al dirigir la mayor parte de sus mensajes a “Europa”, y alude al nacionalismo mexicano al rodear la muestra de cortinas de los colores rojo, blanco y verde de la bandera mexicana. Su última carta desde México, como hace patente el artista por medio de la información que incluye éste como parte de la instalación, describe su “muerte ‘ficcionalizada’ a manos de una historia despiadada que él mismo ha escrito”.

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

Hasta la vista, Maybe, 2011
Buzón, carta
25 x 7 x 1 cm

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

Gifts (Returned), 2011
Cráneo, lirbo, lupa, rifle y dos cajas de cartón

Como parte de Letters from Mexico, Fujiwara monta una instalación compuesta de un cráneo, un diccionario, una lupa y un rifle. La obra se intitula Gifts (Returned) —“regalos devueltos” en inglés— ya que alude a una intención de devolver a Europa estos regalos que trajeron los españoles al conquistar el territorio. El cráneo es una reproducción del único cráneo descubierto de un español, matado por un hacha, mientras que el diccionario simboliza el idioma y el rifle, la guerra. Todos estos objetos, junto con algunas cartas dirigidas a Europa, son regalos que serán devueltos al Viejo Continente.

Simon Fujiwara

Rehearsal for a Reunion (With the Father of Pottery), 2011
Video HD, color, sonido
14’25”

A los 28 años de edad, Fujiwara, cuyo origen es anglojaponés, viajó al pueblo donde vivió durante su infancia para reunirse con su padre luego de una separación de más de veinte años. Con la intención de producir un símbolo duradero de su reunión, el dúo de padre e hijo comenzaron un curso de alfarería para producir una réplica de un juego de té basada en la obra de Bernard Leach, el alfarero maestro cuya obra llegó a definir la unión perfecta entre ideologías occidentales y orientales. Inspirado en la biografía de Leach y su estatus de The Father of British Studio Pottery, el juego de té del padre y su hijo debía convertirse en el objeto de utilería ideal y simbólico de su propia ceremonia del té, que fue a la misma vez una oportunidad de que cerrasen las brechas psicológicas y geográficas de su relación.

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

Desk Job, 2009
Escritorio, novela inconclusa, collage de imágenes

El proyecto fue un texto co-dependiente así como una obra escultórica que exploró dos ideas: la ficción como reflexión de la vida real y el conflicto del trabajo y del sexo, es decir, la antigua batalla interna del hombre salvaje contra el hombre culto. El escritor que trabaja al escritorio se encuentra enredado en el conflicto, enloqueciéndose lentamente mientras busca escribir una novela erótica autobiográfica.
El escritorio ofrece una sinopsis de la novela incompleta la que el espectador podría llevarse, un collage de imágenes del archivo del escritor, desplegada en forma de storyboard, así como efectos personales que podrían ofrecer una clave para la identidad del personaje.

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

Welcome to the Hotel Munber, 2008 – on going
Lecturas

Welcome to the Hotel Munber es una serie de lecturas, realizadas hasta la fecha, que recuentan la vida de los padres de Fujiwara como una ficción erótica. Los gerentes de un hotel y bar en los últimos años de la dictadura de Franco, sus anécdotas de opresión y violencia contrastadas con el flamenco y los comienzos del turismo de masas en España se emplean todos como la materia prima de cuentos homoeróticos. Inspirado por el hecho de que Franco censuraba toda pornografía así como la homosexualidad, estos cuentos buscan recontar la historia perdida e imposible de un país reprimido.

Simon Fujiwara

Las lecturas describen el conflicto de la necesidad de contar esta historia política inédita mientras se tiene que usar una historia familiar para escribir el libro. Se involucran fragmentos de la novela erótica, originalmente publicada en revistas porno, así como los temas e intenciones de la novela que van desde lo político hasta lo absurdo; huevos y omelets, los uniformes de soldados fascistas, la arquitectura española, solo un testículo de Franco y los principios del turismo en España, ejercen su papel.
Welcome to the Hotel Munber ha sido presentado y exhibido en Neue Alte Brücke, Frankfurt/Main; Göteborg Konsthall, Pinchuk Art-Centre, Kiev; y Art Basel, donde recibió el premio Baloise Art.
Fragmentos de Welcome to the Hotel Munber han sido publicados en Straight to Hell: The Manhattan Review of Unnatural Acts.

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

The Mirror Stage, 2009
Obra de teatro; escenificación del primer encuentro del artista con una obra de arte moderna

The Mirror Stage es un drama autobiográfico escrito y protagonizado por el artista que repone en escena su primer encuentro con una obra de arte moderna, un acontecimiento que lo llevó por último a convertirse en artista. En 1993, cuando Fujiwara tenía 11 años de edad, el museo Tate St. Ives se construyó en la playa del pueblo costero donde vivía, y se exhibió The Horizontal Stripe Painting del expresionista abstracto Patrick Heron.

Dentro de un teatro nuevamente diseñado, también situado en una playa de Miami, la obra de Fujiwara representa múltiples versiones de este primer encuentro y cuenta con una reproducción falsa del lienzo original como telón de fondo. Al llevarnos por un viaje personal cada vez más absurdo, la obra pasa de los mitos y clichés sobre la niñez de los artistas, a la psicología sexual de los pintores abstractos y la historia del arte británico de posguerra, todo contado a través de las memorias de un niño puberto y reprimido y con la ayuda de un actor de once años de edad, Keanu, quien sustituye al artista en forma de un doble.
The Mirror Stage ha sido presentado en Art Basel Miami Beach como parte de Art Perform (curado por Jens Hoffmann).

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara
Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

The Museum of Incest, 2008
Tour, murales, diapositivas, presentación, artefactos

La obra The Museum of Incest consiste de una visita guiada por el edificio de un museo de ficción que representa una historia alternativa del “origen del hombre” visita por medio de prácticas incestuosas. Inspirado por una expedición a la “Cuna del Hombre” —el sitio arqueológico en el este de África donde los restos del primer hombre fueron desenterrados— el museo es diseñado a través de un collage de edificios que el padre de Fujiwara ha realizado en Japón, lo que aporta una historia familiar y personal al esquema narrativo del incesto. La visita va acompañada de diapositivas, un mural (pintado por el padre del artista) y artefactos del sitio africano.

En parte una ponencia universitaria, y en parte un tratado arqueológico, el museo explora uno de los últimos tabúes de la sociedad occidental como la materia de una atracción turística putativa que se plantea asentar, de manera simbólica, sobre la tumba del primer hombre.
La obra cuenta con una gama de manifestaciones que va desde ponencias universitarias, hasta performance dentro de instalaciones construidas ex profeso.
The Museum of Incest Guide Book se publicó en 2009 y ofrece información acerca de la historia fundacional del edificio, e incluye representaciones arquitectónicas detalladas, mapas y descripciones de la colección del museo.
The Museum of Incest ha sido puesto en escena y/o instalado en OTIS, Los Ángeles; The Royal College of Art, Londres; the Frieze Art Fair, Londres; MUSAC, León; y Kunsthaus Bregenz.

Simon Fujiwara

The Personal Effects of Theo Grünberg, 2010
Los efectos personales de Theo Grünberg; libros, diarios de poesía, vinilos, recortes de periódico y postales; viaje.

Al morirse en Berlín en el invierno de 2008, Theo Grünberg —académico, explorador, prisionero de los nazis y eroticista— tenía 136 años de edad. Los efectos personales que dejó incluían una biblioteca de casi 1000 tomos, bitácoras con sus poesías, discos de acetato, recortes de periódicos y postales, que Fujiwara heredó del nieto de Grünberg. Pronto después, Fujiwara empezó un viaje para reconstruir la vida de ese hombre imposiblemente viejo

a través de la historia que su biblioteca le relató; pronto después el artista se encontró rodeado de un laberinto de espejos, callejones sin salida y engaños.
Al recontar la historia personal de su búsqueda, Fujiwara presenta una serie de performances dentro de la biblioteca de Theo Grünberg que detalla la búsqueda que lo consumía durante casi dos años y lo llevó por más de 10,000 km, por todo el mundo, de la sede del Stasi en Berlín a las selvas profundas del Amazonas brasileño. Mientras la historia vital de Grünberg se encuentra cada vez más entrelazada con la de la Alemania contemporánea, Fujiwara a su vez se encuentra poseído de manera asfixiante por un hombre que ya no reconoce como su propia invención, hasta un día cuando descubre que quizá Theodor Grünberg, el Hombre del Siglo XX, ni siquiera esté muerto.
La serie The Personal Effects of Theo Grünberg ha sido presentada y exhibida en la Julia Stoschek Collection, Düsseldorf y la XXIX bienal de São Paulo.

Simon Fujiwara

Feminine Endings, 2009
Video; performance e instalación. En colaboración con Tim Davies

Feminine Endings es la primera de una serie de colaboraciones entre Tim Davies y Simon Fujiwara.
Los dos artistas se conocieron mientras estudiaban juntos en Alemania y más tarde descubrieron que los dos habían tocado el violonchelo desde una edad muy temprana así como que a los dos les habían enseñado maestras fuertes y matriarcales. Este pormenor biográfico y la perenne asociación del violonchelo con la forma femenina en las artes visuales brindaron a los artistas una oportunidad de investigar la representación de la mujer a manos del hombre así como explorar su propia relación con esa historia.

El video que forma el telón de fondo de su performance consiste de cientos de imágenes fijas que se traslapan. Estas imágenes fueron captadas durante el transcurso de unos días en Berlín, en museos, galerías, centros comerciales y las calles de la ciudad. Todos retratan o de alguna manera representan la forma de la mujer. Se dividen en tres secuencias al referirse a la antigüedad, la pintura romántica y el arte contemporáneo y se ordenan según una parábola temporal que traza una representación de la mujer desde su nacimiento hasta la muerte. La noche del estreno, los artistas acompañaron el video con una presentación en vivo de tres diferentes piezas musicales para el violonchelo que correspondían a las secuencias visuales que se vieron en pantalla.
La serie Feminine Endings ha sido presentada e instalada en Temporare Kunsthalle, Berlín; el Museo Marino Marini, Florencia; y Göteborgs Konsthall.

Simon Fujiwara

Art Worlds: Mex in the City, 2013
Video, 21’30

En la segunda de una serie de entrevistas absurdas con un impostor ficticio del artista Simon Fujiwara, el presentador de televisión Phineas Pett viaja a la Ciudad de México para visitar al artista donde actualmente vive y trabaja, así como para descubrir otro lado más emocionante de la ciudad. Filmado sin excepción en locaciones berlinesas, el programa televisivo se convierte en una parodia de la cultura actual de “viajes/entretenimiento/artes” al presentar una “perspectiva única y artística” de una ciudad que no existe. Al visitar tanto sitios históricos emblemáticos como los lugares predilectos del artista para comer, tomar y comprar, el programa busca ser una guía chic y alegre para el turista sofisticado a la vez que sea el retrato del artista en su hábitat natural e incluso presenta verdadera publicidad que promociona el consumo relacionado con viajes y esparcimiento.

Simon Fujiwara
Simon Fujiwara

Monclova, México, 1975
Vive y trabaja en la Ciudad de México

 

Bio

 

 

Mario García Torres se graduó del California Institute of the Arts en 2005. García Torres se inspira de la historia del arte conceptual, a menudo desentrañando muchas de las narrativas del mismo y reactualizándolas dentro de contextos nuevos. Su perspectiva, muchas veces nostálgica de la historia, da paso a ideas, significados y perspectivas nuevos sobre los temas en cuestión. A través de cine, instalación, proyección de diapositivas e intervenciones performáticas, Mario García Torres reanima la tradición de manera crítica, sensual y a la vez lúdica.

Mario Garcia Torres

Té (1391) 2011
35 mm película a color transferida a video 64 min,
Comisionado por dOCUMENTA (13)


Tea (1391) es un ensayo fílmico que registra un gesto artístico en torno al One Hotel de Alighiero Boetti en Kabul. ¿Qué significa regresar a un lugar mientras se visita por primera vez? ¿Cómo es que un invitado se convierte en anfitrión por haber llegado años más tarde? ¿Qué tan lejos está México, en realidad, de Afganistán? La película considera estas preguntas según inciden en la relación de Boetti con Mario García Torres.

Mario Garcia Torres

Kunsthalle Basel 1976-1982, 2012
Papel y pegamento sobre lino
70 x 100 cm
Única

Kunsthalle Zurich 1979-1991, 2013
Papel y pegamento sobre lino
84 x 59 cm
Única

Como parte de su práctica, Mario García Torres ha destacado por buscar momentos y situaciones que no han sido registrados oficialmente en la historia del arte reciente, desde los años sesenta hasta el surgimiento del llamado arte conceptual. En esta serie de décollages, el artista sobrepone y anula, uno tras otro, los pósteres de exposiciones museísticas que datan de una época específica, para luego “excavar” y así generar una imagen nueva sin ejercer un control absoluto sobre el resultado final de la obra.

Mario Garcia Torres
Mario Garcia Torres

Shot of Grace with Alighiero Boetti’s Hairstyle,
Los Angeles (Tiro de gracia con corte de pelo de Alighiero Boetti, Los Ángeles),
2011
25 diapositivas en blanco y negro

Estas veinticinco diapositivas en blanco y negro captan a García Torres mientras corre por una calle, huyendo de la cámara, como si huyera del campo visual. Más allá del título, no se evidencia ninguna referencia clara a Boetti; el peinado, una conexión tenue en el mejor de los casos, apenas se encuentra, ya que sólo vemos al artista por detrás, e incluso a bastante distancia.
Una vez el artista declaró: “Me di cuenta que de existía esta conexión algo tonta con Boetti: un peinado semejante que traemos, que me llevó en esta pieza a pensar en identificarme de una manera arbitraria con el artista italiano. En la serie larga de diapositivas en la que se me ve huyendo de la cámara repetidas veces pero sin que ésta me capte en cada toma, es como si me rehusara a aceptar algo de lo que me di cuenta más tarde, que es que el personaje de cualquier artista va a estar presente en su obra, pase lo que pase”.

What Happens in Halifax Stays in Halifax
(1969 NSCAD’s Project Class reunion. Oct 11-13),
2004-2006
50 diapositivas en blanco y negro

La obra de Mario García Torres What Happens in Halifax Stays in Halifax (2004–2006) comenzó con un proceso de investigación histórica. El arista se encontró intrigado por referencias oblicuas a una “clase de proyecto” que el artista Robert Barry había llevado a cabo en 1969 por la invitación de David Askevold, un profesor del Nova Scotia College of Art and Design. Para esta clase, se le pidió a Barry guiar a los estudiantes hacia la realización de un proyecto conceptual colaborativo.

My Westphalia Days, 2008
Película de 16 mm
15 min

My Westphalia Days es un cortometraje basado en unos cuantos días perdidos en la historia de un ícono de la escultura contemporánea. En forma de obra de arte, el artista conceptual Michael Asher presentó una caravana común y corriente como parte de Sculpture Project Munster desde su inicio en 1977. El 21 de julio de 2007, la caravana desapareció y fue descubierta cuatro días después, al borde de un bosque en las afueras de la ciudad. García Torres propone una ficción acerca de esos días perdidos al filmar un Mercedes Benz de 30 años que roba una caravana casi idéntica a la que usaba Asher del sitio donde ésta desapareció aquella vez. El resultado es una road movie fragmentada, de final abierto, que sigue la pista vagabunda de la caravana mientras el coche la lleva por las calles atestadas, llenas de autopistas abiertos y caminos rurales tranquilos antes de ser abandonada entre los bosques y cultivos de Westfalia.

Moonwalk (Rigo Style), 2006
37 diapositivas en blanco y negro
Dimensiones variables

Pocos saben que décadas antes de que Michael Jackson hiciera su muy popular moon walk, en 1983, ciertos bailarines, mimos y cantantes de diferentes estilos y lugares hacían este famoso paso. Existe documentación que registra versiones sorprendentes de la técnica, también conocida como slide dance o buzz, desde los años treinta.Las obras producidas por Mario García Torres acerca de este tema buscan reivindicar un hecho revelador y hasta hoy omitido de esta genealogía: el popular compositor de canciones Rigo Tovar (1946-2005) también bailaba una versión rudimentaria del paso lunar, al son de la cumbia, a principios de los años setenta.

Today, (News from Kabul), 2006
Grafito sobre pared
Dimensiones variables

Today (Latest News From Kabul) es una pieza de pared, hecha por el artista a la manera de Alighiero Boetti. En esta pieza, en lugar de la fecha en que se hizo la obra, se escriben las primeras palabras de las últimas noticias sobre Kabul, de manera simultánea con la mano izquierda y derecha.
Cada vez que se instale la pieza estará compuesta de un texto distinto según las condiciones actuales de la capital afgana. Un móvil oscuro con un título largo se puede ver como una perspectiva sobre el pensamiento moderno y las maneras en que éste ha incidido en la occidentalización de la vida en Kabul.

Göttingen, Alemania,1968
Vive y trabaja en Berlín

La práctica conceptual y performativa de Jankowski es, en su mayoría, colaborativa. Constantemente, el artista compromete a colaboradores incidentales que participan en el proceso artístico, volviéndose coautores involuntarios de la obra final. El proceso es una parte importante de la obra, ya que los riesgos y azares inherentes a las colaboraciones dan una forma inesperada a la obra final. Al pertenecer a una generación que creció dentro de la ubicuidad del cine y de la televisión, la naturaleza en esencia populista de la estética mediática se hace evidente en la obra de Jankowski.

Christian Jankowski
Orientación, 2012
Video b/n, sonido. 8:25 min
Español con subtítulos en inglés

Orientación se realizó con ocasión de El Gran Sur, la primer bienal de Montevideo. Para este evento, Jankowski invitó a un grupo de voluntarios y algunos medios a reunirse en la Plaza de los Inmigrantes, en donde se vendó los ojos, y se los vendó a aquéllos dispuestos a participar. Pidió a los periodistas que se encontraban allí —tanto locales como internacionales— que guiaran de manera segura al grupo vendado a la cima del cerro de Montevideo. Los periodistas ejercieron un papel doble, actuando en sus propios roles al tiempo que ayudaban a los ahora discapacitados. Al llegar a la cima del cerro, Jankowski pidió a quienes estaban vendados que se orientasen hacia el este. Los participantes permanecieron en esta posición durante diez minutos de contemplación callada y luego se les llevó de vuelta a su punto de partida al pie de la montaña.

Christian Jankowski

Monumento a la clase burguesa trabajadora, 2012
Cartón, MDF y espuma de poliuretano

Monumento a la clase burguesa trabajadora es un monumento que una vez se instaló en el patio interior de la Sala de Arte Público Siqueiros: una obra a gran escala inspirada en una foto que Siqueiros tomó y que refleja las contradicciones entre el estilo de vida del artista mexicano, sus convicciones políticas y su posición social como un miembro activo de la izquierda política mexicana del siglo XX. Una serie de fotografías titulada
Estudio para un monumento a la clase
burguesa trabajadora

complementa el monumento y se produjo con la participación de cada uno de los trabajadores de la institución, así como la de los colaboradores externos de la exposición. Todos los participantes sostienen la foto de Siqueiros en la que se retrata la mano de una mujer que a su vez sostiene una broca de taladro. La serie busca documentar un testimonio del esfuerzo colectivo que implica producir una muestra de arte.

Christian Jankowski
Christian Jankowski

Casting Jesus,
2011
Conjunto de 20 obras enmarcadas
Cada una: 2 impresiones digitales, 10 x 15 cm
Intrigado por cómo al canon de la Iglesia Católica se le relaciona con la imagen de Jesús, Jankowski decidió llevar a cabo un casting para el papel de este personaje, con la ayuda de un jurado formado por gente del Vaticano. Cuatro obras concernientes a este proyecto se presentaron en la Ciudad de México: una serie de fotografías enmarcadas que provienen del casting de Jesús. Cada cuadro cuenta con una foto de uno de los modelos, así como una frase que se relaciona con el contexto de la representación.

 

Christian Jankowski
Como parte del proyecto general, Jesús llegó a la Ciudad de México en abril de 2011 para realizar una serie de apariciones dentro de diferentes contextos de la vida mexicana que iban desde vivir con una familia hasta salir en una telenovela nacional. Waiting for Him to Appear in a Telenovela (2011) es la salida de Jesús en el trasfondo de una escena de una telenovela llamada El privilegio de amar. El primero de abril se publicó un anuncio en el diario El Universal que invitó a las familias mexicanas convivir con Jesús durante un día entero. Viva con Jesús (2011) es un trabajo en curso que se ha llevado a cabo durante la estancia del artista en México. Jesús convivía con la gente de la Ciudad de México en diferentes entornos tales como hoteles y departamentos.
Christian Jankowski

What still needs to be done
(Get flight tickets for Jesus),
2011
Neon
Dimensiones variables

Finalmente, What Still Is to Be Done (2011) consistió en una lista de cosas que quedaban por hacer antes de la llegada de Jesús; en este caso, la tarea de conseguir boleto de avión para Jesús (“Get flight tickets for Jesus”) se hizo en un letrero de neón.What Still Need to be Done es un proyecto inspirado por el memoranda que escribe el artista, que incluye preguntas que debe hacer a su galerista, a su asistente, a sus estudiantes e incluso a su contador. Van amontonando las listas, se multiplican encima de su escritorio, y se convierten en alguna especie de periódico constituido de notas personales, caóticas y a veces cómicas, que le apartan del trabajo artístico en que debería de concentrarse. Sin embargo, al final fueron estas notas las que se convirtieron en el soporte de otro proyecto.

Christian Jankowski
Christian Jankowski
Tableau Vivant TV, 2011
Video

Este video ―realizado para la bienal de Sídney― presenta a periodistas de televisión que reportan sobre la producción de una obra de arte, lo cual llegaría a ser una obra de arte en sí; un “reportaje” en vivo desde dentro de la producción artística. Estos periodistas descubren diferentes entornos teatrales arreglados a manera de tableaux vivants, compuestos de artistas, actores y demás trabajadores de la bienal, “congelados” allí. A los periodistas se les pide informar al público acerca de las situaciones a las que se enfrentan, al estilo de un reportaje en vivo desde el lugar de la acción.

Christian Jankowski
Cleaning up the studio, 2010
Impresión digital
Díptico, 101.5 x 125.5 cm c/u

Jankowski viaja a Corea por invitación del Museo Nam June Paik, donde ve el estudio del artista epónimo por primera vez. Poco antes de que se muriera, Paik vendió su desordenado estudio en forma de una instalación. Después de su muerte, el estudio en su totalidad fue enviado de Nueva York a Seúl y reconstruido en el museo. Jankowski se resuelve ordenar el caos y para hacerlo contrata una compañía de limpieza profesional que le promete arreglar todo. 

Christian Jankowski

Strip the Auctioneer, 2009
Instalación de 10 fotografías enmarcadas
Video HD, 25 min.

El subastador Amo Verkade se subasta a sí mismo en la casa de subasta Christie’s de Ámsterdam, aceptando pujas, prenda por prenda, hasta sólo quedar con su martillo. Se despoja de su propio traje, transformando las prendas en objetos de deseo. A través de esta pieza, Jankowski cuestiona la relación entre lo económico y el valor simbólico de la obra de arte.

 

Christian Jankowski
Christian Jankowski

Copenhague, Dinamarca, 1976
Vive y trabaja en Londres

 

Bio

 

 

Marie Lund es egresada de the Royal College of Art en Londres (2004).

La obra de Marie Lund se forma como una investigación de objetos, formas y materiales muchas veces enfocada en la interacción entre superficie y contenido, abstracción y sus referencias a una realidad específica. Sus objetos escultóricos a menudo se ubican en un limbo entre imagen y objeto sólido y la noción del medio destella con frecuencia como parte de una alternación entre pintura, fotografía y escultura que no sólo repiensa la idea del objeto sino asimismo el espacio y la experiencia que la rodea.

Marie Lund

Handstand, 2013
Vista de instalación, Imo-projects, Copenhague 2013

Marie Lund

Level, 2012
Mármol, tapete de lana.
82 x 52 x 20 cm

Para esta escultura, Marie Lund consideró lo blando y lo duro; el peso y las dimensiones de materiales que son llanos en un principio pero una vez doblados, se convierten en objetos.

Marie Lund

The Very White Marbles, 2013
Figura de madera tallada
40 x 22 x 22 cm

The Very White Marbles (3), 2013
Figura de madera tallada
30 x 21 x 18

Estas esculturas, que sugieren cabezas, fueron esculpidas de otras esculturas encontradas y erosionadas para llegar a un nivel material hasta ahora no tocado. Se les han perdido las orejas y la nariz y quedan completamente expuestas, haciendo referencia tanto al material como a la persona que antes estaba allí.

Marie Lund
Marie Lund

Beginning Happening (Fig. 11), 2013
Ónix, jarra de vidrio
50 x 62 x 50 cm (aprox.)

Beginning Happening (Fig. 7), 2013
Mármol, manubrio
48 x 38 x 25 cm

Beginning Happening (Fig. 5), 2013
Travertino, disco compacto con archivos
23 x 87 x 33 cm

Marie Lund

Estas rocas toscas se colocan al lado de objetos cotidianos que parecen haber sido escogidos por su asonancia con ciertas cualidades de la piedra. La composición se basa en el registro geológico de las rocas, donde la función del objeto es una medida para identificar su escala. Lund se interesa en la noción de escala y su relación inicial con un material crudo así como el deseo de configurarlo. La serie de obras intitulada “Beginning Happening” representa una escultura en potencia que da lugar a los primeros pasos para que algo figurativo tome forma. Los objetos seleccionados son como diferentes extensiones del cuerpo; herramientas que nos conectan con un objeto específico a través de su función; por ejemplo, un calzador o una copa de vino; y se relacionan con las piedras a manera de alguna herramienta de medición que describe algo figurativo. Los lugares en los que se colocan los objetos son esculpidos y pulidos y dan la impresión de que estos objetos han estado en su lugar durante largos años, incrustados a modo de fósiles.

Marie Lund
Marie Lund

Settings, 2012
Tela de seda, marco de aluminio (255x105cm), escalera encontrada

Settings es una serie que presenta serigrafías montadas sobre marcos metálicos. Igual a la serie “Stills”, su apariencia se remite a la pintura. Su material frágil se expone sobre varios objetos tales como una escalera de mano, un gancho y un montón de sillas, objetos que se relacionan de diferentes maneras con el espacio en que se exhiben. De esa manera, las serigrafías expuestas llegan a ser transformadoras conviritiendo los objetos en imágenes a la vez que se añade volumen espacial a las mismas.

Marie Lund
Marie Lund

Clickety Click, 2012
Maleta de aluminio, figura de madera encontrada
55 x 40 x 20 cm

Clickety Clickconsiste en un busto de madera cuyos rasgos faciales han sido eliminados por el cincel de la artista. El busto se encuentra encima de una maleta plateada, como si pronto lo fueran a guardar, y forma parte de la serie “The Very White Marbles”, hecha de esculturas encontradas de sujetos desconocidos, cuyos rasgos faciales posteriormente la artista ha removido. La serie juega con temas tales como la relación entre material y representación, así como entre contenido y superficie. La maleta de metal subraya una noción del desplazamiento de la escultura de su contexto inicial y apunta a los posibles contenidos o fines que la escultura y/o material enfrenta.

Marie Lund

Beginning Happening, (Fig. 8), 2011
Roca volcánica, escalera de aluminio
180 x 140 x 80 cm

Two Ways to Fall, 2011
Material orgánico, mecate, metal
Dimensiones variables

Marie Lund
Marie Lund

Ciudad de México, México, 1979
Vive y trabaja en la Ciudad de México

Bio


Talking to a person in a group of people 2015
White marble, cosmetic contact lenses with personalized prescriptions (colors: sapphire, blue, honey, gray, green and puro hazel) and six friends within a group of people wearing contacts lenses of a different color than their own eyes.
1.18 x 21.54 x 13.78 in



Sin título (momentomaterial), 2012
Escultura que empezó siendo del mismo
tamaño que la repisa.
Alginato, repisa de madera laqueada en blanco.
70 x 10 x 70 cm
( al 12 de abril de 2012)

Sin título (momentomaterial) fue hecha después de descubrir por casualidad, un material que se encoge. Una escultura fue hecha al tamaño de una repisa o una repisa en la forma de una escultura. La repisa, como lo piensa la artista, representa el pasado de la escultura, su punto de partida. Una ruina representada.

Tania Perez Cordova

Woman Dancing, behind 2011
Serigrafía sobre triplay
45 x 59 cm

Tania Perez Cordova

Overstep, 2012
Apunte
Impresión sobre papel algodón

Siguiendo la lógica de Overstep: si escanear un espacio a una hora en particular fue el registro de un momento en el tiempo, entonces escanear dos momentos consecutivos podría existir como el paso del tiempo.

Tania Perez Cordova

Live chat, 2012
Marcador fluorescente marca Pelikan, vaso de vidrio, agua
13 x 7.2 cm

Live chat debe ponerse en marcha, se debe rellenar. Un drenaje doble: la tinta al agua y el agua al aire, y así se necesita otro marcador.

Tania Perez Cordova

Estimado Sr. __ (de un desierto a una montaña
a una cascada),

2012

Tres paisajes (Flickr),
Plotter de inyección de tinta Epson 9800. 80 x 246 cm
Madera 2 x 4 x 8 cm

Estimado señor ____, hay que imprimir la foto del desierto y después regresar el papel al inicio del rollo (manualmente) e imprimir encima la foto de la montaña, regresar nuevamente el papel y finalmente imprimir la foto de la cascada. No importa si queda todo negro. Hay que dejar papel extra, en total tiene que medir 2.46 metros.

Para Estimado Sr. _____ (de un desierto a una montaña
a una cascada)
tres imágenes anónimas bajadas de flickr.com para ser impresas a mano una sobre la otra. Se requirió luchar contra la impresora, apagarla justo antes de que automáticamente se cortara el papel para imprimir la siguiente imagen. A la artista le pareció un ritual de la ceguera.

Tania Perez Cordova

Hand-held tools, 2012
Marcos de principios del siglo XX, antes de la guerra, encontrados e intervenidos
64 cm x 75 cm x 6 cm

Tania Perez Cordova

Still Pictures, 2012
Impresora-escaner Epson “todo en uno” para escritorio, modelo SX130, usada una vez.
Impresión a color del scan del espacio. (Medio día)

En Still Pictures, una cama de escáner vacía se activa bajo una luz interior al mediodía y de esta máquina se produjo una sola impresión. Me pregunté ¿qué duraría más, la impresora o su sola impresión? ¿Cuándo será obsoleta la impresora, para convertirse en una cosa puramente inmóvil? Un pensamiento para el futuro.

Tania Perez Cordova

Overstep, 2012
La cama del escáner vacía se activa bajo una luz interior dos veces, la segunda vez sólo unos minutos después de la primera.
Impresión digital sobre tejido de poliéster y raso; madera de pino

Siguiendo la lógica de Overstep: si escanear un espacio a una hora en particular fue el registro de un momento en el tiempo, entonces escanear dos momentos consecutivos podría existir como el paso del tiempo.

Tania Perez Cordova

Dropped things are bound to sink, 2012
Hombre flexionando sus bíceps para mostrar su fuerza. Impresión sobre ortofoam.
33 cm x 14.5 cm x 5 cm

Para Dropped Things Are Bound to Sink, se le pidió a un galerista fortalecer sus músculos. Pero a un galerista no siempre es necesario. En otras circunstancias, la impresión podría haber sido de cualquier otro transeúnte.

Tania Perez Cordova

Save your eyesight, 2011
Negativo de película puesto bajo el sol, impresión fotográfica, marco dorado.
70 x 90 cm

Save your eyesight sucedió tras haber encontrado una serie de negativos dañados pero jamás usados, que habían sido expuestos al sol durante varios años. Paralelamente, una pregunta acompañó la producción de las fotos: ¿Es posible hacer un trabajo culturalmente específico? El resultado son imágenes impredecibles y, dado que los negativos se siguen desvaneciendo, la posibilidad de esas imágenes se reduce lentamente.

Tania Perez Cordova
Tania Perez Cordova

Los Angeles, EE.UU., 1976
Vive y trabaja en Guadalajara, México

 

Bio

 

Eduardo Sarabia estudió en The Otis College of Art and Design en Los Ángeles.
Su obra parte de la historia de la sociedad mexicana al investigar el mito prehispánico y su influencia en la cultura actual del país, así como temas de interés relacionados con su realidad política actual, tales como conflictos en torno a la guerra contra el narcotráfico y la desigualdad de clases. Una variedad de componentes estéticos y simbólicos, tomada de la cultura mexicana antigua así como contemporánea, es característica de su obra. Ésta no refleja, sin embargo, el estado moral del México moderno, sino busca revelar una realidad que va más allá de los valores que el sistema propaga.

Eduardo Sarabia
Painted Memories 4 , 2012
Óleo sobre tela
142 x 199 cm
Tokyo Daze 2, 2012
Óleo sobre tela
142 x 199 cm
Eduardo Sarabia

Codex: Moctezuma’s Revenge, 2011
Acrílico y tinta china sobre papel
56 x 76 cm

Eduardo Sarabia

Snake Skin Boots with Snake Skin Head. White Quarry Stone, 21st Century,
Northern Mexico, 2011
2.50 x .90 x 1.80 m
Instalación en Collins Park, Art Public en Art Basel Miami Beach, 2011

Eduardo Sarabia
Eduardo Sarabia

Salón Alemán, 2008,
Instalación, bar
Whitney Biennial, Park Armory

Eduardo Sarabia

History of the World, 2008
Platos de cerámica pintados a mano
Vista de instalación en el L.A. Louver, Venice, CA.

Eduardo Sarabia

Painted Memories 3, 2010
Óleo sobre tela
142 x 199 cm

Tetris King and Queen of the Monarch Butterflies, 2007
Óleo sobre tela
199 x 142 cm

Eduardo Sarabia
Eduardo Sarabia

Julia Rometti, Francia, 1975,
Victor Costales, Bielorrusia, 1974,
Viven y trabajan en la Ciudad de México