Mathew Hale trabaja con collages, proyecciones, esculturas, instalaciones, y por primera vez para su primera exposición individual en JGMX, con pintura.
Sus trabajos multimedios utilizan libremente múltiples fuentes, como carteles, libros o páginas de libros, revistas, recortes de periódicos en diferentes idiomas y fotografías. En sus collages también puede añadir palabras, burbujas de discurso y texto, mezclando fechas y eventos aparentemente no relacionados, y a menudo mezclando lo privado y lo público. Las imágenes en ocaciones se repiten en diferentes obras tomando nuevos significados.
El uso de diferentes medios revela cómo su trabajo giraba en torno a un proceso y una metodología más que un medio. Puede ser visto como un intento de manejar significados, mientras que permite al espectador interpretar la obra libremente a través de sus propio conocimientos y asociaciones de ideas.
Para “NO RECTO || no verso” establece procesos de trabajo similares y presenta una doble proyección de diapositivas, que da el título al muestra, junto con dos collages de gran formato, una pintura y una serie de esculturas. Cada una de las obras son autónomas, aunque relacionadas entre sí desde diferentes perspectivas en capas de significados no definidos.
Por ejemplo, la proyección de diapositivas presenta varias secuencias que van desde una escena tomada de la película “American Gigolo”, mostrando a Richard Gere examinando la parte trasera de una pintura de David Hockney hasta fotografías de ambos lados de la pared que guarda la cripta en la que Marilyn Monroe descansa hoy, mientas que al otro lado del cementerio en un estacionamiento el artista toma fotografías regularmente agregando una etiqueta de precio dentro de la imagen para recordar la fecha de la misma. Así mismo el otro lado de las etiquetas se convirtieron en un lienzos en blanco en los que Hale desarrolla pinturas. Lo que fue una ayuda a la memoria se convirtió en una obra en sí misma y algunos de ellos están colgadas de esculturas; copias en 3D de una de las ramas del rosal que se encuentra junto a la tumba de la actriz. Otra etiqueta de precio se convirtió en una replica magnificada de si misma en cuero amarillo mientras que la voz en off de la proyección en diapositivas recita el manifiesto suprematista por Kazimir Malevich.
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joségarcía ,mx se complace en presentar Deshuesadero, el paraíso Zimatlán, un proyecto de Edgardo Aragón en el espacio de Calle Dresde 2 a la par de American Gun, presentada simultáneamente en Calle General Prim 30 en el marco de Gallery Weekend.
Deshuesadero, el paraíso Zimatlán consiste en la instalación de una serie de pinturas abstractas elaboradas utilizando óxido de hierro. Este pigmento fue hecho a partir de autopartes de deshecho que el artista ha encontrado en los deshuesaderos o talleres de automóviles ubicados en la zona conocida como “El Paraíso” en Zimatlán, Oaxaca.
Las pinturas monocromáticas, cuyos formatos hacen referencia directa y formal a partes específicas de los autos – tal como las puertas, ventanas o el cofre – conforman una representación abstracta del paisaje de El Paraíso. Éste es uno de muchos sitios donde se depositan los automóviles adquiridos por inmigrantes que fueron a Estados Unidos en búsqueda de oportunidades y quienes, como aspirantes al Sueño Americano, apostaron sus ganancias para comprar autos usados cuya corta vida termina en este tipo de deshuesaderos. Con este trabajo Aragón da continuidad a su investigación sobre los intercambios económicos, culturales y sociales que existen entre México y Estados Unidos, presentando aquí un ejemplo del resultado de esta compleja relación y la falsa noción de libertad y riqueza, la cual México ha llegado a adoptar del país vecino sin mucha reflexión.
Por otro lado, Deshuesadero busca repensar y replantear el paisajismo como género: los muros del espacio han sido pintados de azul claro, haciendo referencia directa al cielo del Paraíso, que a su vez nos permite hacer una observación sobre el impacto ecológico de los distintos tipos de intercambio entre México y Estados Unidos. El paisaje, que ha sido un actor fundamental en trabajo de Aragón, es un motivo que le da salida a historias de injusticia y acontecimientos violentos que estos sitios conllevan.
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joségarcía ,mx se complace en presentar American Gun, un proyecto de Edgardo Aragón en el marco de Gallery Weekend y presentada en General Prim 30. American Gun reúne diferentes proyectos donde el acto de observar entrelaza distintas historias presentadas aquí que dan continuidad al interés de Aragón por abordar el tema de la corrupción, la violencia y las condiciones sociales y políticas actuales.
Al entrar al espacio, el espectador se enfrenta con una oscuridad casi absoluta. Poco a poco la vista se empieza a acostumbrar a la poca luz que emiten los dos focos rojos al final del cuarto, debajo de éstos, dos charolas de revelado contienen fotografías en estado aún latente. En una de ellas la imagen de unos caballos incautados en la guerra contra el narcotráfico. En una segunda, la imagen de la bandera mexicana perdida en un entorno boscoso. Ambas imágenes en blanco y negro se van perdiendo con la luz que dejan entrar los espectadores al espacio. Así, mientras más se exponen a la vista de los visitantes, las imágenes se van degradando. Este trabajo se titula Pura Sangre, un juego de palabras que se refiere tanto a la raza de los caballos así como a la posibilidad de generar una imagen del paisaje político actual.
Adyacente a este espacio, se encuentran dos salas más: en la primera un muro muestra Verde Militar, a ras de suelo, una serie de 12 pinturas abstractas hechas con clorofila de plantas que Aragón tomó del suelo de los bosques en Oaxaca, un paisaje natural que sirvió en el pasado como terreno de entrenamiento militar. Con esta serie Edgardo continúa una reflexión que aborda temas de sobrevivencia; tanto en la cacería como en la guerra. El ojo humano ha sido capaz de distinguir muchos tonos de verde gracias a nuestra evolución en los bosques cazando y sobreviviendo a los depredadores; por otro lado es el color del uniforme militar para camuflarse en la selva. Con Verde Militar, a ras de suelo, Aragón busca entrenar al ojo nuevamente no sólo para distinguir las variantes en los pigmentos naturales, sino también como metáfora de nuestra ceguera para vislumbrar la problemática actual de nuestro país.

También en este cuarto se presenta Baño de Oro, un pequeño lienzo en hoja de oro instalada en el espacio a manera de un altar religioso. Esta obra, también abstracta, sirve como sinónimo del culto a la riqueza y apunta hacia una de las estrategias que utilizó el ejército mexicano para tratar de abatir a los Zetas: la destrucción sistematizada de altares a la Santa Muerte que fueron encontrando en su campaña militar. La hoja de oro hace que la luz refleje con mucha intensidad y, en contraste con la atención que demandaron las pinturas verdes al ojo inmediatamente antes, esta pequeña obra hace lo contrario, molesta con su brillo estridente.
En la última sala se proyecta Ley Fuga, video corto donde un hombre apunta y dispara una pistola a una balsa pequeña a la cual ha vestido con su propia camisa. Gesto que replica una práctica común durante el Porfiriato donde a los ejecutados se les daba la oportunidad de escapar si la puntería del ejecutor fallaba, algo poco probable, mas sin negarles una momentánea ilusión de libertad.
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̈Beyond Lawn and Order” una exposición que toma como punto de partida dos películas, estructuradas en torno al tema del conflicto, del director de televisión, documentalista y guionista Jef Cornelis (1941). En ellas, el director busca provocar a los artistas para que revelen sus conflictos internos, tanto personales como aquellos relacionados con su trabajo. El documental LITTLE SPARTA, et in Arcadia ego gira en torno al jardín Little Sparta de Ian Hamilton Finlay (1925-2006), escultor, jardinero amateur y poeta concreto. La segunda película consiste de una entrevista que realizó Cornelis con el artista Daniel Buren junto a su pieza Travail in situ.
En 1971, Diane Waldman, curadora del Museo Guggenheim, aliada a los artistas Donald Judd y Dan Flavin, boicoteó la obra de Daniel Buren y logró expulsarlo de la exposición Sixth International Exposition. Ese mismo año, Buren fue invitado por a una exposición individual en el Wide White Space Gallery de Antwerp, Bélgica, donde presentó Travail in situ. Se trató de una sola pieza, ubicada en el exterior de la galería belga, misma que el artista había concebido originalmente para la exposición del Guggenheim.
La película, en blanco y negro, y de cinco minutos de dura- ción, empieza con una toma del exterior de la galería, acompa- ñado del reportero George Adé quien interroga a Buren: “¿Siempre haces la misma cosa, de qué manera esto representa una ruptura? ¿Crees en el desarrollo o el llamado progreso de los artistas y el arte?” Las preguntas de Adé aluden intencional, aunque no literalmente, al evento mediático que causó la expul- sión de Buren del Guggenheim.
La entrevista forma parte de los videos que Cornelis realizó entre 1971 y 1973, producidos para el programa de televisión Zoeklicht op de culturele (1968-1993). Estos videos son entrevistas con artistas famosos, grabados junto a sus piezas o en exposicio- nes icónicas, y transcurren en una sola toma larga, donde el en- trevistado aparece estático. Se trataba de una estrategia de Cornelis para que los sujetos se desenvolvieran naturalmente, logrando un intercambio conversacional con poca dirección.
Durante la filmación de LITTLE SPARTA, et in Arcadia ego, Cornelis provocó a Finlay, lo cual descencadenó en la expulsión del director y su equipo de grabación del jardín. Finlay demandó a la cadena de televisión debido a las técnicas agresivas que em- pleaba Cornelis para interrogarlo y por sugerir en el video una fascinación de Finlay con el nazismo. Consecuentemente, el do- cumental fue censurado y nunca lo transmitieron.
La exposición establece un diálogo en torno a Finlay y su jar- dín y muestra cómo éste constituye simultáneamente un sitio de creación artística, donde se organizan el lenguaje y las ideas. Refugiado en su jardín, Finlay fundó Wild Hawthorn Press, que produce tarjetas-poemas, litografías e invitaciones. Se trató de una extensión del interés de Finlay por la poesía concreta, una búsqueda por la composición, la tipografía y el orden de las pa- blaras. Con base en lo anterior, la exposición cuestiona si el jar- dín puede convertirse en una página fuera de un texto, un espa- cio en un estado permanente de revolución.
Beyond Lawn and Order plantea un diálogo entre artistas con- temporáneos y documentos de archivo para reflexionar, desde un punto de vista metafórico, acerca de las ideas radicales del trabajo cinematográfico de Cornelis. En ella, se habla de la apro- ximación del director de televisión al choque entre la posmoder- nidad y el mercado del arte contemporáneo utilizando la televi- sión y la radio como medio.
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El océano Solaris trató de responder a las tentativas de comunicación con los humanos robándo imágenes de su psique y encarnó esas sombras del pasado-futuro-presente como si fueran reales.
Durante la corta temporada de Solarismo, la diagonal de la sombra sobre el muro Oeste saltó casi imperceptiblemente hacia el muro Este y comenzó a alargarse. El triangulo oscuro se agranda sobre la piel del muro (hecha de cemento blanco, polvo de piedra sakabeh y las cortezas de Poxoy y Chukum), a medida que el sol se acerca hacia el horizonte. Comenzaron a aparecer los primeros tatuajes en un movimiento febril y aleatorio. Eran las sombras de las copas de los árboles. Uno de ellos, aquel que se encontraba en el medio del espacio, orquestaba junto con el viento, la errancia de esas manchas.
Por unos breves minutos el profundo y largo recctángulo se cubrió de un tono “total sheer”.
Más tarde, la sombra horizontal del muro de enfrente hundirá el juego de sombras y luces, permitiendo que apenas se distinguieran otros tímidos movimientos sobre el muro Sur. Con el pasar de los minutos, esos movimientos ganaban fuerza y se definían cada vez más. Eran sombras, tan inestables como las que acababan de desaparecer sobre el muro Este. Las mismas sombras, pero el sol ya no estaba ahí. Era la reproducción de la sombra-pasado inmediatamente anterior.
El espacio trataba de coordenar su realidad y su ficción balanceando los dos sobre el filo de la hora del gato. Como si quisiera reafirmar que lo que pasó, pasó realmente, y no hace mucho tiempo. Este ritual se repitía día a día durante el mes de Solarismo.
También los bejucos-neon se hacían cada vez más brillantes, cambiando su diurna lechocidad por un nocturno intenso resplandor. La intensidad de la luz iba arrancando pedazos de la copa del árbol a la oscuridad.
No muy lejos, más hacia el Norte, una fotografía en blanco y negro contaba otra historia de pieles y observación de sombras. Era una fotografía de registro de los experimentos de José Díaz Bolio, ferviente divulgador y defensor de la Crotalometría, alternativa maya a la Geomtería. En Crotalometría, el espacio se medía a través de la observación de la unidad base del motivo de la piel de la serpiente Crotalus Durissus durissus, la cascabel yucateca. Su unidad de medida base se llama Canamayté, un cuadrado vertical atravesado por dos ejes cruzados. Al colocar una vertebra de la sepriente sobre el dibujo de Canamayté a una hora determinada, se observaba como la sombra de la vertebra se alineaba perfectamente con el ángulo inferior del cuadrado vertical. Diaz Bolio anotó:
The Canamayte-Four-Verted diagram of proportions in the skin of the Mayan Durissus durissus rattlesnake.

In the centre: a rattlesnake vertebra, first instrument for solar observation.
Días después él había encontrado, en un periódico local, una fotografía de la duquesa de Windsor, Sra. Wallis Simpson, recibiendo a la emperadora de Japón junto con sus respectivos esposos. Las dos mujeres llevaban vestidos cuyos patterns se basaban claramente en un Canamayté. Es muy probable que las medias de uno de sus dos acompañantes también eran hechas con el mismo patrón. Quien sabe. Lo que sí era cierto, es que la serpiente yucateca había extendido su geometría dinámica por todo el planeta.
Tal vez todo eso – la serpiente, el sol, la tela con el pattern del vestido de Wallis Simpson que se hinchaba con el viento de la tarde, los viajes cíclicos de los tatuajes-sombra sobre la piel del espacio y su constante repetición a través de la temporada-ficción, las copas de los y el Chukum, la perseverancia de los experimentos de un poeta yucateco, la luz de los bejucos-neon – harían parte de aquel anagrama escrito cerca de la entrada al espacio
midair sir jot unlit craze at noon
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Rometti Costales
Solarism season I, 2016
25 min video loop
Dimensiones Variables

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Rometti Costales
Crotalometría: el motivo de la señora Simpson, 2016
Serigrafia Sobre Tela
150 x 300 cm

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Rometti Costales
Crotalometría: ángulo solsticial de verano, 2016
Fotografia Analogica
10 x 15 cm

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Rometti Costales
Ahau Can, 2016
Fotografia Analogica 10 x 15 cm

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Rometti Costales
Solarism season II, 2016
160 x 220 cm
piedras toc, triplay ,marco de metal

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Rometti Costales
Solarism Season III, 2016
Neon Dimensiones Variables

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Rometti Costales
Solarism Season IV, 2016
Neon Dimensiones Variables

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joségarcia ,mx y Attilia Fattori Franchini estan orgullosos de presentar ¨Blanca Nieves y el Cazador¨ una exposición de obra nueva del artista Yves Scherer. La exposición toma su titulo de la película estadounidense del 2012 protagonizada por Kirsten Stewart y Chris Hemsworth; una película levemente recibida en taquilla pero aun noticiosa debido a las ocurrencias detrás de cámara. Fotografías candidas del set muestran a la actriz principal enrollada con el director de la película Robert Sanders. Estas mismas fotos aparecieron en los medios de comunicación creando un escándalo y la eventual ruptura de la relación amorosa entre Kristen Stewart y su co-estrella de la película Crepúsculo, Robert Pattinson. El acto de traición hizo ruptura con millones de fanáticos y comenzó un debate vuelto fanatismo sobre el derecho de la actriz a traicionar a su actual pareja. Mismo debate de fanatismo que quedo marcado dentro del codex moral y subconsciente de una generación .

Scherer toma este contexto como un punto de partida e inserta dentro de este su propia narrativa. Scherer toma la postura de un amante cuyo afecto no es reciprocado por su pareja para desarrolla la historia de un desconocido que oscila entre posturas posesivas y amor incondicional, creando en el espectador la incertidumbre y duda sobre los seres desconocido que cruzamos en la calle o en la estación de camion durante los momentos mas obscuros de la noche. Mediante dos locaciones y diferentes elementos de instalación Scherer cuenta una fantasia de fan convertida realidad física que toma apoyo en las representaciones iconicas de cuentos germánicos, películas de hollywood y revistas de chisme al igual que historias personales de sus viajes. Esta narrativa que puede ser leída como un actual cuento de hadas es reflejada en la soledad de la época del internet y la expectativa de la relación amorosa tal cual se entiende hoy en día. De la misma manera la narrativa se convierte una exploración a la ilusión de la intimidad entre celebridad y audiencia, un producto del los siempre crecientes y envolventes medios que comienza con la cultura paparazzi y crecen exponencialmente con la difusión de las redes sociales como Instagram y Twitter.

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Yves Scherer
K&Y (5), 2016
tecnica mixta sobre tablon
87.3 x 107.5 cm

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joségarcía ,mx tiene el placer de presentar nueva gramática, double falta y las posibles, una exposición de nuevo trabajo de José León Cerrillo. La exposición consiste de un nuevo cuerpo de trabajo: una serie de serigrafías y pinturas sobre madera, una pieza de piso y esculturas en concreto. Cerrillo continua su interés por complicar y codificar las nociones del lenguaje y la percepción para buscar una nueva forma de entender o liar con la abstracción directa del objeto.
Nueva gramática, la serie the pinturas sobre madera son una continuación de POEMS; una serie sin fin en la cual un alfabeto idiosincrásico es recopilado. POEMS existe entre diagramas, dibujos y patrones mediante el uso de letras, símbolos y números como la anatomía del contexto es contenido. Esta lógica es aplicada de manera repetitiva y el reciclaje como un sistema gráfico empleando una combinación diferente con cada uso que dona complejidad y permite un juego en el que el significado surge de la repetición, el sacudido de la interpretación sirviendo como la forma.

En proyectos anteriores ls POEMS tomaron la forma de chamarras contra agua. Estas mismas chamaras han sido re-usadas y disecadas para nueva gramática para que los patrones de costura dicten la estructura de las pinturas.
Cortado por la arquitectura de la galería la escultura de suelo con una escala de 1:1 a una cancha de tennis. Extendida mediante la analogía el sobre entendido acuerdo sobre una serie de reglas, las reglas que permiten el lenguaje, y al a vez volviendo el soporte para un posible juego.
Siendo un constante en la obra de Jose Leon Cerrillo el estatus de los objetos el la exposición se niegan a una autonomía. Mas bien los objetos anhelan a ser meditados como marcadores dentro de un mise en scene. Cargando aun mas peso a este juego de palabras se encuentran dos esferas de concreto tituladas Problemas que evaden un significado y bailan entre ser concretas/absolutas en su forma y marcadores a una narrativa/lógica interna.

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Vista de Exposicion

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, 2016
100 x 120 cm
pasta para modelar y acrilico sobre madera

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100 x 120 cm
impermeabilizante sobre alfombra

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Nueva Gràmatica (error forzado), 2016
100 x 120 cm
pasta para modelar y acrilico en madera

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By Boat (Farewell) está inspirada en la historia de José Salvador Alvarenga, un pescador salvadoreño que fue alejado por el viento de la costa de Chiapas, México, en noviembre de 2012. Alvarenga pasó cerca de 13 meses a la deriva en alta mar antes de ser descubierto en las Islas Marshall en enero de 2014. En las artes visuales el viaje, y en particular aquél que se realiza en barco, ha sido analizado y utilizado por artistas a lo largo de varios siglos, primordialmente como una manera de representar temas vinculados al romance, la nostalgia y el deseo por escapar, descubrir y renovar. Ligado a la historia de Alvarenga y cuestiones que destacan su particularidad —incluyendo la pérdida, la esperanza, el tiempo y la sobrevivencia— By Boat (Farewell) sigue este antecedente histórico, lanzando estas ideas desde un punto de vista contemporáneo, mediante obras de arte realizadas por distintos artistas internacionales.


Mientras el trasfondo de la exposición está ligado a la increíble, y algunos han argumentado la debatible historia, también está conectada a las circunstancias en las que esta exposición se lleva a cabo. By Boat (Farewell) es la exposición inaugural del programa de la galería, una nueva galería dirigida por José García Torres quien debido a las turbulentas aguas, deja la previa galería para incursionar en un trayecto con una clara dirección… Partiendo aunque igualmente retornando.

Bas Jan Ader
In Search of the Miraculous, 1975
Invitaciones para Claire Copley Gallery
and Art Project Bulletin, 1975
34,5 x 47 cm, 19 x 14 cm

Christian Jankowski
Review, 2012
Botella de cristal, papel, cera
25 x 10 xm


Para Review, Jankowski invitó a periodistas y críticos que escribieran una nota, a mano, sobre la obra de arte que eventualmente realizaría a partir de éstos textos. Luego de terminar sus textos, a los periodistas y críticos, se les pidió que colocaran sus páginas dentro de una botella vacía que ellos eligieran y posteriormente, que la hicieran llegar a la galería. Las fotografías documentan una botella resistente al agua que sirvió como una muestra hecha por el artista.

Ryan Gander
I just want you to know I can see through
your mask, 1987 by Aston Ernest,
, 2011
Pintura de una dama: 51 cm x 80 cm x 2.8 cm
Pintura de un pie: 51 cm x 51 cm x 2.8 cm
Acrilico sobre lienzo


Dos pinturas al óleo de distintos tamaños cuelgan una junto a otra. Las pinturas son reproducciones de dos pinturas que figuran en la película The Rebel, 1961. Una de un pie sobre un fondo azul pintado por el personaje de Tony Hancock; mientras que el otro es un retrato de una mujer pintada por el
enemigo artístico de Hancock. el díptico titulado I just want you to know I can see through your mask, fue concebido y pintado por Aston Ernest como parte de su serie A Rottness – Making fools of men, sobre duplicar obras.

Jonathan Monk
All the Sizes Available in All the
Sizes Available (fishing boats)
, 2005
7 fotografías digitales (impresión Fujicolor)
(con marco) 41.5 x 56.5 cm, 32.5 x 42.5 cm,
29.5 x 38.5 cm, 26.5 x 34.5 cm,
24.5 x 30.5 cm, 21.5 x 26.5 cm,
20.5 x 24.5 cm


Esta obra forma parte de una serie en la que el artista toma una imagen de archivo utilizada por una compañía de fotografía para promocionar todos los distintos tamaños en los que una imágen se puede imprimir. La imagen de archivo se imprime en todos los tamaños disponibles. en este caso, la imagen muestra un barco pesquero. Cuando se exhibe, el barco parece desaparecer en la progresión sucesiva que se da en los tamaños de impresión y su reducción, recordando la historia de Alvarenga y los temas centrales sobre pérdida, duración y tiempo.

Chris Burden
BC Mexico, 1973
Film


“Me dejaron en san Felipe, México, en le Mar de Cortés. en un pequeño kayak, remé hacia el sur hasta llegar a una playa remota llevando agua conmigo. sobreviví en ese lugar por 11 días; la temperatura promedio al día era de 48 grados Celsius. el 7 de junio remé de vuelta a san Felipe y me llevaron a Los Ángeles por carretera. La pieza había sido anunciada como una exposición de Newspace, y durante mi estadía en México, una nota en la galería informaba a los visitantes de mi ausencia. el 10 de junio en Newspace mostré una película corta de mi partida y leí el diario que escribí”.

Jessica Warboys
Sea Painting, Dunwich, Summer, 2015
Mineral, pigmento, lienzo
180 cm x 145 cm


Parte de una serie de trabajos, la pintura en exhibición aquí fue hecha por la artista a principios de ese mismo año cerca de la costa de Dunwich, Reino Unido. En cada una de las pinturas de esta serie la artista mezcla pigmentos en el lienzo y las lanza a mar abierto.

Amalia Pica
Farewell (unique photocopies), 2009
Fotocopia cortada sobre papel, alfiler para colgar
Cortesía Zabludowicz Art trust


Farewell (unique photocopies) es un escan de una imagen de varios pañuelos blancos –como aquellos que se usan para decir adiós a las personas que inician un largo de viaje– los cuales han sido cocidos para unirlos.

Dan Rees
Swan’s Way or Whale’s Road, 2009
Super 8 transferido a DVD


Para este trabajo el artista remó desde la costa de swansea, su ciudad natal. Al llegar aproximadamente a 3.2 km de distancia de la costa, el artista filmó la orilla de la playa intentando capturar desde el punto de vista del mar a swansea en su totalidad. La idea de remar lejos de casa en barco, así como filmar la acción en el formato de 8mm, no es solamente una referencia deliberada del trabajo de Bas Jan Ader, sino que además apunta a la historia y biografía de éste último, lo cual destaca a lo largo de su trabajo.

Dan Rees
Snacks’ Poca; Super Crisp; Tasto, Shrimp Tempura;
Big Roll; Tao Kae Noi; Tasto, Japanese Seaweed;
Pringles, Salt and Seaweed; Hi Tempura; Lay, Nori Seaweed’

2015, Plexiglás, envolura para comida; seis partes
Obra completa: 36 x 700 cm


Todos estos trabajos surgen de la investigación en curso del artista de la industria del alga marina que empezó en 2013. su fascinación por el plato laver (platillo galés) –que regularmente envía de Gales hasta su estudio en Berlín– así como su creencia en que el plato laver, un platillo a base de alga, aún no ha recibido la atención que merece, son algunas de las razones que inicialmente desataron esta investigación. Lo anterior es especialmente cierto cuando consideramos que el comercio de alga en otros países, particularmente en Asia, ha sido clave durante siglos. La serie que aquí se presenta, coincide con la dieta de Alvarenga durante los 13 meses en losque luchó por sobrevivir, la cual incluyó pescado, aves y tortugas.

Sian Rees Astley
Oscillations & palpitations, 2015
Aluminio
60 x 100 x 100cm


Este trabajo presenta la inhabilidad y frustración de comunicarse por un lado, y por el otro, la urgencia y deseo por hacerlo. Consiste de una antena de radio que va sujetada al muro, la cual pareciera pedir que los muros de la galería transmitan y se comuniquen con el mundo exterior.

Mario García Torres
Título variable (Pieza del Pacifico), s/f
Madera de bambú, telas sintéticas y hule


Mario García Torres
Título variable (Pieza del Atlántico), s/f

Mario García Torres
Saying Goodbye to Ships (With Evo’s Sweater), 2006


Esta serie de fotografías documenta un juego con un trabajo del artista de Los Ángeles, John Baldessari, titulado Goodbye to Boats (Sailing In) (1972-1973); la diferencia es que en su serie Mario García Torres usa una réplica de un suéter de Evo Morales, Presidente de Bolivia. Morales, ha sido criticado por no utilizar trajes de vestir, a lo cual una compañía boliviana respondió poniendo réplicas de uno de sus suéteres en el mercado público. El acto de decir adiós es algo que se manifiesta en la lucha que tanto José salvador Alvarenga como su familia enfrentaron, a pesar de que su familia pensó que había desaparecido mucho antes de que se perdiera en el mar.

Nina Beier
Ground, 2015
Bronce
Dimensiones variables


La escultura de un hombre sobre un caballo en un montículo de tierra es una clara representación de un orden de clasificación tradicional. En Ground, el hombre y el caballo han sido removidos y lo que permanece en exhibición es la base con el montículo de tierra. tomando las jerarquías de la relación entre figura y piso. Aquí nos encontramos con el piso como figura. Como viñeta de la tierra, una aglomeración de locaciones implícitas, estas esculturas –figura y piso, ambas– son simultáneamente literales y figurativas. en el contexto de esta exposición, los suelos de Beier toman la apariencia de islas y de costas situadas lejanas en la distancia; una imagen recurrente y algo frustrante en sentido de desorientación para José Salvador Alvarenga durante el tiempo que permaneció perdido.

Jesse Wine
Nicest of Dates, 2015
Cerámica vidriada
Dimensiones varias


Caracoles colocados en varios sitios alrededor del espacio de la galería.

Ahmet Ögüt
Guppy 13 vs Ocean Wave; a Bas Jan Ader Experience, 2010, Instalación: 6’47”, video, velero, reporte policial, fotografía producida por tolhuistuin, stichting Cultuur aan het IJ Colección Van Abbemuseum


Guppy 13 es uno de los veleros pocket cruisers más chicos fabricados por Melen Marine Ltd. en California. Solamente cerca de 300 de ellos fueron producidos entre 1974 y 1975. Guppy 13 es exactamente el mismo modelo que el velero “Ocean Wave” que utilizó el artista Bas Jan Ader, en el que intentaba cruzar el océano Atlántico en 1975 cuando eventualmente desapareció. Ögüt encontró el mismo tipo de barco que usó Ader, un Guppy 13, e hizo que se lo enviaran hasta Ámsterdam. Invitó a que los visitantes vivieran la experiencia de Bas Jan Ader, aunque fuera sólo por algunos minutos, a bordo de este velero en las aguas de Ámsterdam. La única regla era que aquellos que participaban, tenían que acceder voluntariamente entrar al velero. El Guppy 13 de Bas Jan Ader fue encontrado cerca de las costas de Irlanda por un barco español y llevado a españa. El velero fue robado un par de semanas después de haber sido encontrado. El Guppy 13 de Ögüt también fue robado en Ámsterdam y fue encontrado cuatro meses más tarde. Consecuentemente, esta desaparición temporal, pasó a formar parte de la obra.

Daniel Gustav Cramer
Tales (S’Ilario, Italy, September 2014), 2015
8 C-Prints, 25 x 20,5 cm cada uno
Enmarcado: 29 x 23,7 x 2,2 cm

Estas dos piezas minan la idea de crear contenedores para posibles futuras asociaciones –un objeto aparentemente vacío con un sentido agudo de fisicalidad y peso. Cuando se exhibe, el significado creado por los trabajos, o los contenedores, puede ser determinado por aquello que los rodea. el espacio vacío y el sentido de frialdad puede interpretarse como semejante a la sensación que
probablemente enfrentó José salvador Alvarenga durante su lucha a lo largo de los 13 meses.


Tania Pérez Cordova
Error (hundiéndose), 2015
Crisol grafito y zinc


Tania Pérez Cordova
Error (encallándose), 2015
Zinc

Tim Foxon
Four drawings, 2015
Cada uno: 25 cm x 19 cm


Esta colección de dibujos por el artista basado en el Reino Unido, Tim Foxon, presenta interpretaciones de personajes de las comedias populares estadounidenses. el artista dibujó sobre el papel sin mirar, conectando con el inescapable sentimiento de estar perdido, confundido y desorientado que sufrió Alvarenga. tomados de una comedia, lospersonajes de Foxon pertenecen a una serie norteamericana de televisión, la cual podría ofrecer al artista algún tipo de comodidad y bienestar en relación al hogar, si es que él estuviera perdido mientras viajaba.

On Kawara
MAR. 1, 2002, 2002
Acrílico sobre lienzo
20.3 x 26.7 cm


Las pinturas fechadas de Kawara, registran la fecha en la que el trabajo fue realizado. el artista comenzó esta serie el 4 de enero de 1966. el idioma y la estructura de la fecha siempre responde al país en el que kawara se encontraba. Cada pieza debía ser completada a más tardar a media noche del día en que era realizada. si no, se destruía. Cerca de 3000 pinturas fueron producidas.
La serie está sujeta a tiempo, duración y lenguaje, todos recurrentes en la obra del artista.

Sung Tieu
State of Affairs, 2015
Texto en Hour Electronic LED Signs en loop


Esta serie de letreros de Led remiten a aquellos que se ven en el transporte público, tal y como en el ferry o en trenes. Los letreros de LED muestran acuerdos laborales entre México y Estados Unidos, como el programa bracero de 1942 para la importación, de México a estados Unidos, de trabajadores contratados temporalmente. Mientras que el tema del trabajo se vincula a la historia de José salvador Alvarenga, también alude a la idea de que es posible que jamás lleguemos a nuestro destino deseado.

Entre el veintiséis de marzo y el nueve de mayo de 2015
Tania Pérez Córdova
Del 26 de marzo al 09 de Mayo de 2015










Dicen los perros cuando ladran, Dicen los políticos, Dicen mucho, Dicen que es común, Dicen los adolescentes, Dicen que es por algo, Dicen que te vas arrepentir, Dicen no, Dicen sí, Dicen en la calle, Dicen que fue a propósito, Dicen que huele a perfume y sudor, Dicen lo que pueden, Dicen en mi casa, Dicen que salió en las noticias, Dicen que es malo, Dicen que da lo mismo, Dicen que hace milagros, Dicen los extranjeros, Dicen que nos alcanza a todos, Dicen mierda, Dicen que nadie sabe, Dicen que pronto, Dicen que es gratis, Dicen que perdió todo, Dicen la verdad, Dicen que no hay pruebas, Dicen que llegaron primero, Dicen que es como una roca.

En la pared del lado izquierdo hay una vasija de barro que fue secada al sol y cocida en un horno de leña. Al fondo tiene la impresión de la tarjeta bancaria número cincuenta y dos cero cuatro, dieciséis cuarenta y nueve, cuarenta y seis cincuenta y uno, cero ocho noventa y cinco. Es una tarjeta de débito MasterCard que vence en noviembre del dos mil diecinueve y que tiene el número de seguridad tres tres cero.La tarjeta está ligada a una cuenta Perfiles en Banamex con renta mensual fija y chequera.


Más adelante, en la misma pared, hay una repisa de mármol blanca que pesa once kilogramos. Esta repisa tiene seis pares de lentes de contacto cosmético de la marca Freshlook Colorblends sumergidos en solución oftálmica multipropósito. Los lentes tienen graduaciones personalizadas y son de colores zafiro, azul, miel, gris, verde y pure hazel. Paralelamente, seis amigos usarán lentes de contacto de un color distinto al color natural de sus ojos mientras estén entre un grupo de gente.

En la siguiente pared hay un riel de aluminio que sostiene a una pintura que retrata una camisa de rayas para caballero. La camisa fue hecha en México usando una tela sesenta por ciento algodón y cuarenta por ciento poliéster. Paralelamente hay un hombre que usa esta camisa dos veces por semana para ir a su oficina. Trabaja cerca, a unas cuadras, y viene ocasionalmente en su hora de comida, entre las dos y las tres de la tarde.


Al centro del salón hay diez esculturas hechas del vidrio de las ventanas de mi estudio. Ventanas que están orientadas al norte y al sur de la ciudad, que veían a Insurgentes y al Eje 2 sur.
¡De regreso, en la pared junto al pasillo de la entrada, hay un contorno de bronce que en su estado líquido fue vertido en un arena. Una aproximación a una escala real…

Una persona poseída por la curiosidad
Barro modelado cocido en horno de leña, cuenta de banco Banamex
60 cm

Hablando con una persona entre la gente, 2015
Mármol blanco, lentes de contacto cosméticos con graduaciones personalizadas (colores: zafiros, azul, miel, gris, verde y pure hazel) y seis amigos entre un grupo de gente usando lentes de contacto de un color distinto al de sus ojos naturales.
3 x 54.7 x 35 cm

Una foto de un hombre cruzando la calle
Óleo sobre lino, correderas de aluminio, camisa
y hombre que la viste ocasionalmente
19.69 x 15.75 x 1.22 in

Dicen que hace milagros 2015,
Vidrio de una ventana orientada
al norte, bolsa de plástico
5.12 x 17.72 x 10.04 in

Dicen lo que pueden, 2015
Vidrio de una ventana orientada
al norte, limpiador facial en gel
sin jabón Avene
7.2 x 29.65 x 12.48 in

Sin título, 2015,
Bronce vertido en arena, aproximaciones a escala,
38.27 x 35.31 x .71 in

Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Ryan Gander & Mario García Torres
Del 03 de Febrero al 14 de Marzo del 2015

Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
The World is Heavier than an Artist’s Breath, 2007, Mario Garcia Torres
Colección Isabel y Agustin Coppel, Culiacán




Un globo lleno de helio de dimensiones variables suspendido de una cuerda de algodón en el espacio de exhibición.

Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
The unbearable idea that actions invariably result in consequential actions, or How to make a movie script write itself 2015, Ryan Gander y Mario Garcia Torres




Un video producido a partir de material de archivo – que posiblemente será utilizado en un futuro próximo, en un contexto totalmente diferente y visto bajo una luz completamente nueva – que se muestra en un monitor de cajón, acompañado de un guión impreso que consiste en un tutorial anónimo que explica cómo escribir un guión. Video de 2′ y 14 páginas tamaño carta.
Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised

Vista de la exposición

Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Nobody walks away from true collaboration triumphant or un-bruised
Peoples of the Evening Land
Simon Fujiwara
Del 03 de Febrero al 14 de Marzo del 2015


Peoples of the Evening Land es la segunda exposición de Simon Fujiwara en Proyectos Monclova. Tomando el título del aleman “Abendland”  -­‐  La tierra donde se pone el sol o  el Mundo Occidental, Fujiwara reúne cuatro piezas que en conjunto presentan una arqueología fragmentada que abstrae y agranda los cambios de valores, estilos de vida, felicidad, ecología y política en la europa post-globalizada del Norte.
A través de una serie de artefactos alterados y de documentos de la vida alemana, entre 1950 y hoy, las obras se presentan como productos liberados de sus narrativas (políticas, sociales o económicas) y regresan a la aparente inocencia de sus materiales. De retratos hechos con maquillaje de fragmentos abstractos de Angela Merkel – líder de Alemania y la mujer más poderosa en el mundo occidental – a abrigos de piel que revelan la yuxtaposición de los rastros de su construcción. Cuerpo-piel, poder-invisibilidad, superficie-contenido y riqueza-pobreza, resultan dicotomías básicas que son indistinguibles en un mundo donde no hay cantidad de análisis, disección y acercamiento, que nos acerque a entender nuestra naturaleza humana.

Peoples of the Evening Land

Masks (Merkel E.10,1), 2015, Maquillaje en lino, 85.04 x 65.47 x 1.57 in

Peoples of the Evening Land

Fabulous Beasts (Wild Cat),2015, Abrigo de Piel, 51.26 x 33.46 x 1.26 in

Peoples of the Evening Land

Fabulous Beasts (Grey Fox),2015, Abrigo de Piel, 51.26 x 33.54 x 1.26 in

Peoples of the Evening Land

Ich (2x7L Tandem 7 Trennsystem),2015, Medios diversos con patina de bronze, 15.94 x 9.76 x 32.09 in

Peoples of the Evening Land

Hello,2015, video HD 10′ 15”

Peoples of the Evening Land
SOME/THINGS aparentemente alude una cuestión bastante simple. El título lleva al mismo tiempo aspectos de banalidad y arbitrariedad. La palabra thing o cosa puede significar todo y nada, puede ir de lo concreto a lo abstracto. Este movimiento de significados es lo que precisamente juega un papel importante en  esta  colectiva,  una  investigación  más  profunda  acerca  de  la  cosa.


SOME/THINGS reúne obras de 10 artistas internacionales, la mayoría de ellos presentados en México por primera vez.
SOME / THINGS
SOME / THINGS
SOME / THINGS
SOME / THINGS
SOME / THINGS
SOME / THINGS

Aluminum / Linoleum refiere  al  uso  común  de  materiales  de  construcción  industrial  en  la  arquitectura contemporánea, al mismo tiempo, esta combinación de palabras nos recuerda un ejercicio  que  las  actrices  realizan  antes  de  salir  al  escenario. Tan  solo  trata  de  repetir  Aluminum  Linoleum tres veces rápidamente, es un trabalenguas.

Aluminum Linoleum
Aluminum Linoleum

Mars, 2014
Óleo sobre lienzo
18 x 15 inches

Aluminum Linoleum

Same Dream, 2014
Óleo sobre lienzo
16 x 13 inches

Aluminum Linoleum

Untitled, 2014
Óleo sobre lienzo
16 x 12 inches

Aluminum Linoleum

Portrait of Jean Vigo, 2014
Óleo sobre lienzo 16 x 13 inches

Aluminum Linoleum

Outdoor Seating, 2014
Óleo sobre lienzo
68 x 48 inches

Aluminum Linoleum

El trabajo de Gabriel Rosas Aleman parte de búsquedas transdisciplinarias orientadas a obras performáticas e instalaciones. Dentro de su trabajo incorpora experiencias que devienen metáforas, en las que pretende hacer evidente nuestro comportamiento y condición escultórica. Rosas Alemán trata o incluso logra brindar conciencia al sujeto de su circunstancia moldeable, construida y re-construida en los recorridos de los espacios arquitectónicos y/o sociales. Mexican Beauty es un proyecto basado en la investigación de piezas como: Homage to the square (1949) que Josef Albers comenzara en 1949, As long I`m Walking (1992) de Francis Alÿs y Hotel Palenque (1969-1972) de Robert Smithson.

Estela núm. 2014, Grabado láser sobre aluminio, 2.10 m x 10 cm

Estela núm. 2014, Grabado láser sobre aluminio, 2.10 m x 10 cm

Estela núm.3 2014, Grabado láser sobre aluminio, 2.10 m x 10 cm

El dios no conocido, 2014, 2014, Video 6.37 min, loop

Del 26 de junio al 30 de agosto de 2014


“Qué curioso resulta ver a toda una especie ―miles de millones de personas― interpretando y escuchando pautas tonales que carecen de significado.”


Daniel Steegmann Mangrané empuja al espectador a deconstruir y experimentar el espacio, al mismo tiempo que le da la oportunidad de construir otro a partir de las relaciones entre los distintos objetos. Nacido en 1977 en Barcelona, Steegmann Mangrané trabaja en collages, pinturas, videos y sonidos que chocan entre ellos y desencadenan movimientos y acciones detonantes de significados. El espectador está invitado a moverse y traducir estas cadenas. Este sujeto es ahora un traductor del lenguaje, un transeúnte perdido en la deriva, un exiliado con la posibilidad de expandir su visión gracias al movimiento. Piezas como Fólego 2014, realizada en compañía de la flautista Joana Saraiva y concebida en reacción al espacio de Proyectos Monclova, es una muestra perfecta de este flujo. El aliento de siete flautas transversas ubicadas en distintos puntos de la galería, circula y expande las cuatro paredes, y al mismo tiempo conecta y activa las demás piezas de la exposición.

Fólego 2014, una pieza sonora, da voz al silencio de Rama de Avenca 2014, una escultura quieta a la espera de volverse un insecto y no más una rama. La escultura se mueve hasta transformarse en Phasmidea 2013, pero vuelve a guardar silencio pues en el silencio está su naturaleza. Sin embargo la quietud se interrumpe con el ruido artificial y metálico de Systemic Grid 2014, una plancha de acero cortada en pedazos en la que el espectador puede caminar y moverse.
El artista vive y trabaja en Río de Janeiro y, desde su propia migración, experimenta y juega con los objetos traduciéndolos, reciclándolos. Produce sinécdoques representadas en: videos, esculturas, collages o performances. Es decir, el artista como traductor escoge dónde debe hacerse énfasis, y dónde es más urgente el significado para que éste posteriormente sea representado.
Steegmann Mangrané nos invita a participar con él, nos muestra el camino de la deriva que, experimentándolo nos llevará a la construcción de nuevos significados.

Systemic Grid XI, 2014
Problack sobre gesso
dimensiones:
56 x 56 x 1.2 cm

Systemic Grids II, 2014
Acero cortado con láser
573 x 497 x .5 cm

Morfogénesis Cripsis, 2014
Lápiz y acuarela sobre pared
20 x 18.5 cm

Phasmides, 2012
Pélicula 16mm trasferida a video HD, color, sin sonido

Simetrías, 2014
Collage C-print
20 x 15 cm (c/u)

Fólego, 2014
Flautistas, composición / Performance

Del 10 de abril al 14 de junio de 2014


Proyectos Monclova se complace en presentar la primera exposición individual de Federico Herrero en México.
La aproximación de Herrero a la pintura se vincula a tradiciones relacionadas del conceptualismo latinoamericano, el muralismo, así como el abstraccionismo geométrico, aunque simultáneamente se sitúa fuera de ellas. El artista va más allá de los límites tradicionales de la pintura no solamente en la manera en la que trabaja con el margen del lienzo, sino en la forma en la que su trabajo se sitúa dentro y con el espacio. Además del típico lienzo y muros, los soportes y superficies que utiliza son tan variados y van desde una calle, hasta un autobús, o el fondo de una alberca, además de que recientemente ha utilizado concreto y elementos de madera esculturales a los que se refiere como “volúmenes”. Una serie de estas unidades tridimensionales se exhiben junto a pinturas de gran formato en el primer piso de la galería. No obstante, el artista no las considera escultura sino que las plantea como espacios alternativos para intervenciones pictóricas.

Estos objetos aluden a fragmentos de arquitectura modernista, complementando el paisaje mental que se presenta en los lienzos. La imaginería de Herrero comprende parches cromáticos de color, figuras caricaturescas, la falta de pintura, así como ojos incorpóreos. El uso de distintos medios como pintura al óleo, acrílico, marcadores, plumas y pintura de aerosol en un mismo trabajo, disuelve jerarquías de técnicas tradicionales y refleja el proceso de la pintura en sí. Riesgo e improvisación son cruciales en la práctica de Herrero.
Su trabajo puede leerse como un estudio de espacios liminales –los huecos entre figura y fondo, lienzo y muro, privado y público, obra y espectador.
Federico Herrero también cuestiona los límites espaciales de los museos y las galerías, presentando trabajos que utilizan aproximaciones similares a una instalación. En Letras y volúmenes, el artista presenta una serie de pinturas en dialogo con el color aplicado directamente en el interior de la arquitectura. Utiliza el espacio del sótano de la galería para expandir el concepto de pintura y su percepción. El piso se convierte en un lienzo: un azul cielo brillante cubre el piso completamente y se extiende sutilmente hacia las paredes transformando así el espacio de exposición en un contenedor o vasija, y demostrando sus propiedades volumétricas.

Al suspender los límites entre muros y piso, Herrero subvierte jerarquías de presentación que se ejercen en instituciones tradicionales. Sin embargo, este momento de transferencia no se agota en este punto. Mientras pinta en su estudio, Federico Herrero protege el suelo con una superficie de plástico blanco. Marcada con distintos trazos incluyendo gotas de color, pisadas y marcas de tierra, esta cubierta se convierte en una pieza que se presenta en el muro de la exposición, montada de forma tradicional sobre un bastidor. Uno podría llamar estas obras, índices de pinturas del proceso de la pintura.
Este mecanismo accidental y automático es de interés particular para el artista, quien explora las posibilidades de imitar lo aleatorio y el azar.

Del 4 de febrero al 29 de marzo


-¿Tu azulejo es anticuado o tiene un color desatinado?
-¿Estás listo para renovar el estilo pero no quieres pasar por las molestias de la demolición y construcción?
-¿Estás preocupado por el costo y el tiempo que representa estar sin tu baño?
-¿Sientes que la revolución tecnológica producida por la información tecnológica ha desregularizado la relación entre tiempo y valor?
-¿Estás experimentando una partenogénesis de valor del dinero que genera dinero sin la intervención de la materia física y del trabajo muscular?
-¿Escondes tus objetos de valor debajo de la toalla cuando estás en la playa?

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NBPMfloor
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Minutes, 2014
Wagireh rug, real hair wig, glass, foam MDF
69 x 93 x 7 cm



Al juntar objetos confusos que se encuentran atrapados entre el retrato y lo retratado, las piezas en Valuables presentan imágenes contrastantes de trabajo y ocio, tiempo y dinero, mortalidad y permanencia, cese y crecimiento. En Minutes, Beier sobrepone pelucas en muestras de tapetes Wagireh, que son tejidos a mano en varios diseños y colores. Originalmente utilizados para pasar los diseños de una familia durante generaciones, o también como herramienta de venta de los vendedores itinerantes, estos pequeños tapetes son una síntesis y compresión de todos los patrones contenidos en una alfombra de aquellas.

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Greens (руб 50 rubles), 2014
Printed towel, pressed palm, glass, foam, MDF
160 x 40 x 4 cm



Las pelucas presionadas contra los tapetes son de cabello de verdad; peinados congelados de distintos tiempos hechos de cabello que jamás volverá a crecer. Las muestras provienen de China e India y los mechones han sido decolorados, moldeados y pintados para imitar distintos tipos de cabello. Esta presentación de cabello que ha crecido con paciencia, así como los tapetes tejidos a mano meticulosamente, encuentran su contraparte en la serie Greens. En ella se observan palmas de plantas caseras comprimidas sobre toallas de playa con la imagen de billetes de distintas monedas. De hecho, uno podría decir que todos los objetos de Greens así como de Minutes, son monedas u objetos itinerantes que hablan sobre la economía global. Sin embargo, mientras una constelación habla de las horas de trabajo y del tiempo humano, la otra subraya la pérdida de tiempo, de dinero y la actividad improductiva.

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Liquid Assets, 2013
Parts of bronze statue of Mexican Zapata
Vitrine 1:
178 x 51 x 96.5 cm
Vitrine 2:
122 x 51 x 96.5 cm
Vitrine 3:
152.5 x 51 x 96.5 cm



Liquid Assets es una escultura en bronce de tamaño real, de uno de los personajes más relevantes de la Revolución mexicana, Emiliano Zapata. Separada ahora en piezas individuales, sólo se exhiben los objetos que representan el metal; el tiempo y la representación del mismo se difumina ya que el original y su reproducción son casi lo mismo. Liquid Assets subraya la interpretación y significado cambiante de la materialidad, así como del estado del bronce. Como escultura, este bronce fue creado para sobrevivir y conmemorar a su sujeto. En el mundo de hoy, no obstante, el bronce se maneja como una moneda –muchas veces vendido, derretido y transformado para crear otra vida y propósito.

OK_BK375052
OK_BK375056
liquid assets



Del 9 de noviembre de 2013 al 18 de enero de 2014






El área que forman los estados del norte mexicano y los del sur estadounidense, es el espacio en el que la exposición Otros Días de Mario García Torres, esta situada. En la muestra, ese lugar en el imaginario personal del artista es explorado y distorsionado, como locación y como vehículo para la posible realización de gestos artísticos.


Compuesta por el registro de diversas estrategias que forman una visión elíptica del territorio, la muestra pretende activar la memoria y el tiempo como detonadores de otras imágenes que habitan en el espectador y en donde la realidad es repensada. La obra no es lo que está ahí, sino lo que ésta refleja, y lo que el acto olvida y omite.

Vistas de la exposición


Dos ensayos audiovisuales enmarcan la exposición; They Call them Border Blasters (2004), un videoclip asuecado de la canción Mexican Radio (1982) de la banda de new wave Wall of Vodoo en el que mediante subtítulos, las implicaciones sociales y políticas de las estaciones de radio fronterizas que emiten contenido hacia los Estados Unidos, son indagadas. En el otro margen de la exposición, las obras que el artista norteamericano Robert Smithson planeó pero dejó pendientes para realizar en diferentes puntos del estado de Texas, son re-imaginadas en el video titulado, The Schlieren Plot (s/f).


La serie de Regístros momentaneos son fotogramas producidos bajo el sol de Texas, en las que los intentos del artista por buscar diversas posibilidades para una obra bosquejada pero no producida por Robert Smithson son documentadas. Locación posible, s/f es un diorama natural de una fracción del mencionado territorio; un sitio que se vislumbra como potencial escenario para una obra, removido de su contexto como indicador de su potencial. Una escultura consistente de dos kilogramos del metal llamado Galio en forma líquida (La forma de la memoria, s/f) capaz de reflejar su alrededor mientras está en ese estado, entiende la evocación y lo recordado, como algo que esta formado por el pasado inmediato pero informado por el presente.


En Otros Días, las imágenes son solo un dispositivo para generar otra exposición, otro lugar en el que la obra existe. Es este último reducto el que se vuelve el espacio para cuestionar la objetividad y poner en discusión nuestras nociones de percepción.



Del 9 de noviembre de 2013 al 18 de enero de 2014


Proyecto en colaboración con Galería de Arte Mexicano (GAM)



Del 24 de agosto al 19 de octubre, 2013








Proyectos Monclova se complace en presentar Back Pack, la segunda exposición individual de Marie Lund en la galería. La exhibición está compuesta de una nueva serie de lienzos, y de esculturas de bronce, concreto y madera.
Los lienzos solían ser cortinas. Los vacíos que cubrían y la luz que habían estado tapando están retenidas dentro de la tela. El edificio ya no está, y ahora los dobleces, los bajos y los altos, se aplanaron. Las esculturas se paran como tú, erguidas, con los pies en la tierra. No son piernas sino el interior de un par de pantalones.
Back Pack se sienta en tu espalda. El contenido depende del tamaño del bolso y de cuánto puedes cargar. El material ha tomado la forma de su entorno inmediato, de algo que se recarga sobre él, empujando y jalando con la presión del peso y el tiempo.

Marie Lund
Marie Lund
Marie Lund
Marie Lund
Marie Lund

Masks, 2013
Bronce
Únicas


El interior de Masks sigue cuidadosamente los contornos de la cara. El espesor del material presenta distintos rasgos en la parte exterior. Y cuando te quitas la máscara te quedas con un contenedor vacío y una cara desnuda.

Marie Lund
Marie Lund

Stills, 2013
Tela deslavada por el sol, bastidor de madera
120 x 200 cm
Únicas


Stills solían ser cortinas. Las aberturas que cubrían y la luz que tapaban están retenidas en la tela. Como la costura de tus jeans marcándose en tu piel después de un largo día.
El edificio ya no está. Los pliegues, los bordes y las hendiduras se han aplanado, y han quedado remarcados en la superficie plana.
Como una fotografía lentamente procesada que captura tanto su propia forma como su entorno.

Marie Lund
Marie Lund
Marie Lund
Marie Lund

Attitudes, 2013
Concreto
Dimensiones variables
Únicas


Attitudes toman tu lugar. Se paran como tú, erguidos, con los pies en la tierra. No son piernas sino el interior de un par de pantalones. El concreto ha tomado la forma de los pantalones y los pantalones la forma del concreto.

Marie Lund
Marie Lund
Marie Lund

The Very White Marbles (2), 2013
Escultura encontrada de madera tallada
50 x 17 x 11 cm
Única


The Very White Marbles (3), 2013
Escultura encontrada de mármol tallada
30 x 21 x 18
Única


Las esculturas que remiten a cabezas han sido labradas a partir de otras esculturas encontradas y erosionadas, hasta llegar a capas del material intactas anteriormente. Han perdido orejas y nariz y estás se han dejado al descubierto, enfocándose en el material y en la persona que alguna vez estuvo ahí.

Marie Lund
Marie Lund


Curaduría de Fabiola Iza
Del 16 de julio al 17 de agosto de 2013
Plática de Trevor Paglen, 17 de agosto, 19:30 hrs.






En julio de 1969, la nave espacial Apollo 11 fue lanzada al espacio exterior. Su destino final, la Luna. Dos de sus tripulantes se convertirían en los primeros hombres en pisar este satélite, no obstante, un sinfín de teorías en contra han surgido negando la veracidad de este hecho histórico.
El mismo suceso, la llegada del hombre a la Luna, es el tema de Le voyage dans la Lune (1902), cortometraje de Georges Méliès y primera película de ficción jamás realizada. Inspirado en un cuento de Julio Verne, en este montaje declarado el desconocimiento absoluto sobre el comportamiento de los objetos y los seres humanos en la Luna –igualmente, una crisis de la representación– se muestran como una provechosa desventaja, ya que actúan como estímulo a la creatividad e imaginación.

Viaje a La Luna

La presente exposición se traza en el límite de la tensión provocada entre ambos momentos del mismo evento y desea explorar hasta cierto grado el encuentro estético, es decir, cómo reacciona el espectador frente a la incertidumbre provocada por un objeto o una situación. La producción de los artistas reunidos en esta selección se construye por
medio de objetos e imágenes cuya función es indéxica; eliminan la primacía del objeto artístico como fuente inmediata de experiencia y relegan su presencia física a un segundo plano. Son una suerte de rastro de algo que quizás nunca tuvo lugar. Su estado es uno de suspensión, el cual oscila entre lo puramente documental y lo puramente ficticio.

A trip to the moon

A través de distintos formatos, los ocho artistas de la muestra ofrecen distintas consideraciones sobre las formas en que la apertura de un espacio estético conlleva la apertura de un espacio político.
En el marco de la exposición tendrá lugar la conferencia The Last Pictures, charla multimedia del artista Trevor Paglen derivada de una larga investigación en la que entrevistó a científicos, filósofos, antropólogos, artistas y demás especialistas sobre las profundas contradicciones que caracterizan a las civilizaciones contemporáneas.

Viaje a La Luna
Viaje a La Luna

Nina Beier, Flowage, 2013
Bombardinos, mangueras, agua y aire. Dimensiones variables.


Mediante un número de tubas conectadas a la tubería de la galería por medio de mangueras, Beier centra su mirada en la imposibilidad de un significado correcto o definitivo de lo que observamos. Al asociar dos objetos en apariencia totalmente extraños, la artista se pregunta por las posibilidades infinitas dentro de la asociación de ideas provocadas por la duda o el asombro ante dos conceptos que no suelen encajar entre sí. ¿Qué hace a una metáfora? ¿Existe la posibilidad de una metáfora sin significado o siempre proyectaremos uno? ¿Qué sucede si ésta es despojada de su referente? En este caso, las tubas y las mangueras –como lo podrían haber sido otro par de objetos cualquiera– son cuerpos silentes e inanimados que dependen completamente del espectador y el contexto en el cual son insertados para cobrar vida.

Viaje a La Luna
Viaje a La Luna

Nina Beier, Spectacle #1, 2009
Documentación de evento; fotográfica enmarcada, 127 x 100 cm


Permeando constantemente por una condición de inestabilidad, en el trabajo de Nina Beier el objeto, el suceso, el encuentro y el documento intercambian el centro de atención mientras los demás desaparecen de la escena. La serie fotográfica Spectacle retrata el momento en el que un espectador observa una escultura realizada por la propia artista. Una vez fotografiada, ésta será destruida. El consumo total de la obra deviene entonces imposible.

Viaje a La Luna

José Luis Cortés Santander,
Untitled (de la serie Irregular Pearl), 2011
Serigrafía sobre papel de lino, 58 x 73 cm


Esta serigrafía forma parte de la serie titulada Perla irregular, un ejercicio de corte formal en el que Cortés Santander ha explorado la mutación de una forma perfecta como lo es la estructura de la perla. Al agregarle una protuberancia cónica, el equilibrio antes natural le es negado o cancelado. El resultado de esta sugerencia gráfica es la inestabilidad del objeto.
El globo terráqueo trazado en la serigrafía únicamente puede existir en potencia, como una provocación para pensar en un estado insostenible.

Viaje a La Luna

Roisin Byrne, It’s not you, it’s me, 2010-11

A través de un conjunto de documentación escasa, Roisin Byrne da cuenta de su transformación en el artista italiano Roberto Cuoghi. Tras interesarse en un proyecto en el cual Cuoghi comenzó a transformarse en su padre, Byrne llevó a cabo un escueto intercambio de correos electrónicos con el galerista del artista, colegas, amigos, etc. Dada la poquísima documentación del proyecto original, la investigación de Byrne en éste y en el elusivo artista resultó ser frustrante e inconclusa. A la par, Byrne descubrió discrepancias en los registros de Cuoghi y tomó esto como una oportunidad para convertirse en el propio artista, cambiando legalmente su nombre por Roberto Coughi. It’s not you, it’s me se concreta en dibujos y acciones como la apertura de una cuenta bancaria, una cuenta de correo electrónico -entre otros- bajo esta nueva identidad legal. La transformación de Byrne en Cuoghi llegó al punto en el que la realidad y la ficción se mezclaron de forma tan intrínseca que la artista comenzó a recibir invitaciones para exponer como Robert Coughi. La escasa documentación existente construye el proyecto en la mente de cada espectador y lo lleva incluso a preguntarse hasta qué grado las pistas son indicios de un acontecimiento real.

Viaje a La Luna

Ulla von Brandenburg, Ein Zaubertrickfilm (Un truco de magia filmado), 2002
Película super 8, b&n, sin sonido, 16’20’’


En Ein Zaubertrickfilm [Un truco de magia filmado], en formato super 8, von Brandenburg pidió a conocidos y amigos realizar frente a la cámara un truco de magia. Todas las personas convocadas demostraron conocer al menos uno. A pesar de que en el mundo actual la magia es contemplada dentro del género de la fantasía, la mayoría de las personas se plantean –aunque sea por un momento– la pregunta de su existencia. Un gesto en apariencia tan sencillo toma mayor relevancia cuando es registrado en película, deviniendo una experiencia mediada y propensa a la manipulación.

Viaje a La Luna
Viaje a La Luna

Laurent Grasso, Psychokinesis, 2008
Video HD, animación
12’30’’


La psicoquinesis es un fenómeno paranormal que consiste en la capacidad de mover objetos con la mente. Ésta es una capacidad hipotética –imaginaria– que jamás ha sido probada científicamente. El video de Laurent Grasso muestra una roca de gran tamaño que levita misteriosamente en un paisaje incierto, quizás un desierto. Ésta se eleva y desciende periódicamente, como si su movimiento respondiera a un esfuerzo externo que la controlara.
El trabajo de Grasso explora la contradicción entre lo que pensamos, lo que percibimos y lo que esperamos. Su trabajo presenta ambientes cuya temporalidad es difícil de determinar y provoca que el espectador se cuestione sobre la realidad misma de las formas que percibe. Jugando con la veracidad histórica y documental de las imágenes que manipula, la obra remite a lo familiar y conocido a la vez que transporta la mirada a un punto de fractura de lo real. Al elaborar los detalles extraordinarios del mundo ordinario o suspender las reglas que rigen su lógica, cada secuencia fomenta una extraña incertidumbre que se cierne entre lo imaginario y lo real.

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Christodolous Panayiotou, Sin titulo, 2012
Pintura y oro sobre madera, díptico
39 x 59 cm c/u


Mediante un refinado proceso de abstracción, Christodoulos Panayotiou utiliza objetos que evocan rituales, en este caso específico de la tradición bizantina, mas los despoja de sus evidentes referentes religiosos. Así, un díptico de íconos deviene un díptico de monocromos dorados que, pese a albergar una cierta carga mística, actúa en realidad como un objeto turístico que se mofa del deseo por representar al país de origen de Panayotiou, Chipre. Frente a la crisis económica y política que ha aquejado al país durante los últimos años, el pasado chipriota –ligado a la tradición helénica– se ha exaltado con la finalidad de promover al país como un destino turístico. Los íconos evidencian la manipulación y constante de las narrativas históricas y su reinterpretación al servicio de los intereses actuales.

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Christodolous Panayiotou, The Invention of Antiquity, 2012
14 impresiones fotográficas B&N
30 x 30 cm c/u


Esta serie de 14 fotografías surge de la larga investigación llevada a cabo por Panayiotou en el archivo de la Oficina de Información y Prensa de la ciudad de Nicosia, Chipre, y que forma parte a su vez de una serie más amplia. A manera de una investigación visual, el artista va formando agrupaciones de imágenes que dan cuenta de las narrativas que se han ido construyendo durante las últimas décadas para dar forma a la identidad de Chipre.
Las escenas en estas imágenes fueron comisionadas por la misma oficina tras independizarse el país de Gran Bretaña en los años 60 y muestran a varios oficiales en distintos sitios arqueológicos entre los cuales se puede identificar un anfiteatro. La creación de un imaginario visual que remite a la tradición helénica se une al esfuerzo del gobierno actual por reconstruir la historia de Chipre, forjar una fuerte identidad –con lazos a un pasado de grandeza cultural– y proyectarse al exterior como un interesante destino turístico.

Viaje a La Luna

Trevor Paglen, PARCAE 2-1(A) in Monoceros (Naval Ocean Surveillance System; 1990-050A), 2013
C-print, 122 x 152


El trabajo de Trevor Paglen hace énfasis en lo oculto y lo desconocido, despojado de toda carga o connotación metafísica y espiritual. A pesar de que ambas imágenes podrían ser observaciones astrales o inscribirse en la genealogía del paisaje como género artístico, el interés de Paglen es de corte político y versa en la interpretación del mundo que nos rodea. El artista, educado también en el campo de la geografía y con un vasto conocimiento científico, realiza viajes a lugares remotos o casi inaccesibles con la finalidad de conseguir estar en el punto exacto desde el cual sea posible fotografiar aquellos objetos que habitan la atmósfera terrestre –o incluso el espacio exterior– de manera discreta, silenciosa y, en la mayoría de las ocasiones, secreta.

Viaje a La Luna

La imagen roja retrata un satélite espía que se mueve lentamente por el cuadro, sólo es posible registrarlo mediante una toma de larga exposición. Este satélite forma parte de una familia de satélites de reconocimiento puestos en órbita por el ejército estadounidense; la primera generación fue lanzada a finales de los años 70, la más reciente en 2001. Identificado plenamente por Paglen, el satélite que aparece en la imagen pertenece a la segunda generación y fue lanzado en 1990. Mediante recursos de escucha electrónica, la función de éstos es determinar la posición y movimientos de las flotas militares de otros países.


Trevor Paglen, Untitled (Predator Drones), 2011
C-print, 122 x 152

Además de los satélites espía, Paglen ha logrado identificar y fotografiar otro tipo de dispositivos de control gubernamental y herramientas militares que ocupan el espacio público. En el caso de la imagen azul, una serie de predator drones, vehículos aéreos teledirigidos de ataque, logran divisarse con dificultad. Los drones son quizás las herramientas de vigilancia y ataque más recientes utilizados por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y por la Agencia de Inteligencia Central (CIA).

Viaje a La Luna

Tania Pérez Córdova, How to use reverse psychology with pictures, 2012-2013
Tela envejecida artificialmente (alguna vez negro).
Lino, 150 x 96 cm


La búsqueda por el resultado contrario al deseado es la finalidad perseguida por la psicología inversa. Esta obra de Tania Pérez Córdova, una tela envejecida por métodos artificiales, juega con la tensión entre lo que la mente espera de un objeto y cómo lo perciben los sentidos. En su trabajo, Pérez Córdova explora la interconexión entre la visibilidad y la fe, en el modo de existir de las cosas.
Originalmente negra, la tela ha adquirido un color crema y en algunas zonas se ha luido y su tejido se ha reventado. Desafiando la lógica del curso natural de desgaste de los objetos, la tela se yergue como una suerte de compresión temporal y, además, como un desafío a lo que desearíamos creer.

drones

Tania Pérez Córdova, Temporarily magnetized objects 4, 2007
Impresiones en gelatina de plata, 20.32 x 25.4 cm c/u


Temporarily Magnetized Objects es una serie de fotografías de objetos amorfos que fueron magnetizados temporalmente. La experiencia sensorial de los mismos nos es negada ya que de los objetos sólo nos llegan las imágenes. De igual forma que en otras piezas de Pérez Córdova, la obra es un indicio de una situación a la cual ya no tenemos acceso y su registro adquiere casi la naturaleza de los props. El objeto inestable, incompleto, inaccesible es, paradójicamente, una promesa de un estado pasado.

drones

Performance, tapete persa, perro.


Del 4 al 22 de junio, 2013
Horas de exhibición: Martes a viernes / 16:00 – 18:00 Hrs. Sábado / 12:00 – 14:00 Hrs.


Se le da a un perro la instrucción de que se haga el muerto encima de una alfombra persa.
Lo que aparece ser un memento mori, o, por decirlo de manera más literal, una naturaleza muerta, es tan solo un recuerdo especioso de la muerte; ‘recuerdo especioso’ en el sentido no sólo de que el perro no está muerto, pero también que los perros, como bien se sabe, no se mueren, ya que no saben, hasta donde sabemos, que son capaces de morir. Por supuesto, esto no quiere decir que no dejan de existir, pero sus muertes no se ven anticipadas por la angustia de la muerte, ni seguidas por la ceremonia que la reconoce. Por eso el hecho de hacer que se hagan el muerto no es nada más que un antropomorfismo atroz e inmoderado – el cual, por casualidad, se vuelve simbólico de la voluntad de antropomorfizar en sí.


Extracto del ensayo Tragedy por Chris Sharp, 2012

Tragedy Teaser



Del 9 de abril al 11 de mayo de 2013

Invasión
Invasión

Vista de exhibición
Montealbán, 2013
Dos fotografías, 50 estampas


Acción que consistió en la extracción de una piedra de la zona arqueológica de Montealbán para pulverizarla y elaborar 50 estampas sobre papel de origen prehispánico con la imagen de una casa. Este proyecto alude a las casas derruidas por la policía en 2009, después de que 50 familias (cuyo origen genético se remonta a los fundadores originales de Montealbán) invadieran las inmediaciones de la ciudad antigua.

Invasión
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Espantapájaros, 2009
Video
1.18 min.


Proyecto que consiste en una serie de intervenciones llevadas a cabo en un área que está constantemente en conflicto, dada la venta irregular de tierras en la comunidad y la superstición de sus habitantes.

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Mártires, 2012
1 fotografía, 24 clavos de madera, 10-12 cm



Imitación de clavos de forja elaborados a partir de un trozo de madera talada ilegalmente en el sur de México.

Invasión

Zapata, 2013
Tierra de la hacienda de Chinameca, contenedor de mármol
100 x 70 x 18 cm


Lápida cubierta de tierra de la Hacienda de Chinameca donde mataron a Emiliano Zapata. La pieza toma la tierra del sitio, con todo y semillas provenientes del lugar; la intensión es dejar que crezcan plantas regándola constantemente hasta que la tierra quede completamente infértil por la erosión y el continuo desgaste. El gesto se establece como una metáfora de cómo la sociedad contemporánea identifica la figura revolucionaria de Emiliano Zapata, una imagen desgastada, que termina por convertirse en estéril.

Invasión

Pesos, 2008
Báscula, bala 9mm y tierra.
Dimensiones variables


Es una reflexión en torno a la idea del territorio proveniente de la cultura vernácula en relación a la justificación social y legal que existe en nuestra sociedad –particularmente en comunidades rurales, locales– de tener el derecho de matar si el terreno o espacio de uno es invadido. Es un juego de paridad que contrapone el peso de una bala con un puñado de tierra, siendo la tierra un símbolo que se utiliza en los entierros para despedirse del difunto. La bala por otro lado, es una de 9mm que a pesar de ser ilegal, es comúnmente usada en México.

Invasión

Diez centavos, 2008
Oro de 10 k


Una moneda de la más baja denominación del peso mexicano vaciada en oro.

Invasión

Silver Inc., 2013
Plata
Dimensiones variables


Es una consigna que se llevó acabo durante el 2011 en contra de la mineras canadienses en Oaxaca. El artista crea un juego de significados ya que la consigna se encuentra hecha de los mismos materiales extraídos de los terrenos protegidos por las comunidades. El resultado es una especie de graffiti elaborado con letras de plata.

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La encomienda, 2012
HD video
4:45 min.


Consiste en la realización de una protesta simbólica en una mina abandonada, donde un coro ejecuta una composición con tintes barrocos, echa a partir de las consignas en contra de la minería en varios países de América Latina.

Invasión

Sin título, 2013
Impresión Digital
45 x 33 cm.

Invasión

Del 27 de febrero al 23 de marzo, 2013
The Wittgenstein Suite –con ambas acepciones de la palabra– está compuesta por trece canciones basadas en textos del filósofo Ludwig Wittgenstein, y constituyen el núcleo de la colaboración entre José León Cerrillo y Saralunden. Las letras de las canciones están basadas en elementos del libro Bemerkungen über die Farben (Observaciones sobre los colores), y fueron escritas entre 2009 y 2012. En sintonía con las investigaciones de Wittgenstein sobre cómo se puede hablar sobre el color y la transparencia, la serie de performances está construida alrededor de sombras, proyecciones y música.

The Wittgenstein Suite
La primera instalación de la serie se desarrolló como parte de y dentro del contexto de la exhibición Hotel Edén (2009) en Proyectos Monclova. La exposición investigaba el potencial de la posibilidad en una suerte de gramática abstracta. Enmarcada por una serie de sombras creadas por varias estructuras dentro de la galería, Saralunden cantó la primera secuencia de canciones. Para la segunda parte de The Wittgenstein Suite, el performance entero se incorporó como sombra proyectado en las ventanas de la Schindler House en Los Ángeles, opacando o problematizando así un ícono modernista.
Evidenciando una inevitable asociación platónica sin necesariamente dejar atrás una reconsideración irónica, el título de la segunda versión es Schindler’s Window/Platos Cave (2011). La tercera parte, Hotel Eden Revisited (2012) cerró The Wittgenstein Suite haciendo eco de las partes anteriores al enmarcar el performance dentro de un biombo de 10 paneles que se desplegaban a manera de índice, sintetizando gráficamente elementos de las obras pasadas.
La actual exposición en Proyectos Monclova se presenta como una memoria o un reflejo, por no decir reflexión, de la colaboración entre los dos artistas.
The Wittgenstein Suite
The Wittgenstein Suite
The Wittgenstein Suite
The Wittgenstein Suite
The Wittgenstein Suite

Ejemplo intestable, 2013
96 x 76 cm
Hierro, esmalte

The Wittgenstein Suite
The Wittgenstein Suite
The Wittgenstein Suite

The Wittgenstein Suite Box Set, 2011
en colaboración con Saralunden.
Discos LP, cajas de acrílico, serigrafía sobre varios soportes.

The Wittgenstein Suite
The Wittgenstein Suite

Eco (44:II), 2013
Serigrafía sobre papel algodón
74 x 55 cm

The Wittgenstein Suite

Del 29 de noviembre de 2012 al 26 de enero de 2013




En muchas ciudades que han crecido (y que seguramente continuarán haciéndolo) es común encontrar en viviendas de zonas económicamente bajas, pilas de viejos bloques de concreto que han permanecido durante mucho tiempo en espera de ser usados para su fin último: formar parte de un sistema constructivo; otras veces para su ampliación y mejora.


A estos bloques también es posible encontrarlos en zonas de asentamientos irregulares, ubicadas casi siempre en los márgenes del desarrollo urbano. Las personas que habitan estas áreas tienen prohibido construir con estos materiales dadas sus cualidades de permanencia, por lo que generalmente sus casas son construidas con materiales frágiles. Pese a esta prohibición, ellos consiguen estos bloques de concreto, casi siempre usados, y procuran su conservación como una forma de patrimonio con la esperanza de usarlos en algún momento para el levantamiento de una vivienda con cierta dignidad.

Tercerunquinto

La importancia de estos bloques -unidades básicas para la construcción- es que representan en sí mismas una posibilidad de mejora en las condiciones de vida de las personas. Sin embargo, cuando se encuentran en ese permanente estado de latencia constructiva resulta difícil no advertir su condición de ruina.


Para este proyecto, Tercerunquinto estableció un circuito económico encargando a algunas personas que habitan un asentamiento irregular de Monterrey que recolecten bloques de concreto viejos, abandonados o usados. Los primeros cientos de estas unidades fueron recolectadas en su propia comunidad.* Posteriormente, cuando las personas agoten los bloques de esa zona, proseguirán con los de los barrios aledaños y así sucesivamente hasta recorrer otras zonas de la ciudad.
Como una forma de acuerdo económico, a estas personas se les pagará por cada unidad entregada.
Los bloques recolectados serán enviados de Monterrey al Distrito Federal periódicamente, y serán reubicados.

en el espacio de exhibición de la galería Proyectos Monclova para -progresivamente- cubrir sus muros.
Con miras a completar el circuito económico que plantea este proyecto, Tercerunquinto propone a los directores de la galería que el acuerdo con estas personas se mantenga tanto tiempo como lo decida el primer coleccionista interesado en adquirir este proyecto artístico. La participación de éste podrá ser activa determinando la vigencia del acuerdo, al mismo tiempo que implicará obtener el correspondiente volumen de bloques con base al tiempo que decida mantenerlo.
En los extremos de las relaciones de este proyecto se encontrarían dos formas de contrato que se distinguen principalmente por sus escalas económicas, y en medio, atravesada, la obra que Tercerunquinto y Proyectos Monclova han negociado.


-Tercerunquinto
Noviembre de 2012

Tercerunquinto

Vista de la exposición, primera etapa
Bloques de construcción

Tercerunquinto

Vista de la exposición, segunda etapa
Bloques de construcción

Tercerunquinto
Tercerunquinto
Tercerunquinto
Tercerunquinto

Vista de la exposición, tercera etapa
Bloques de construcción

Tercerunquinto
Tercerunquinto
Tercerunquinto

Unidades Constructivas (Ejercicios gráficos), 2012
Mixta sobre papel
24 x 19.5 cm
Únicas (x6)

Tercerunquinto
Tercerunquinto

Intercambio de unidades constructivas, 2012
Impresión lightjet
Única
Serie abierta (durante el tiempo de exhibición)
26 x 37 cm

Tercerunquinto
Tercerunquinto



Del 13 de octubre al 17 de noviembre, 2012






Las obras de esta exposición son el resultado de una producción de cuatro años. Cada uno de los componentes de la muestra está inter-relacionado con los demás, formando múltiples suturas, que a su vez producen nuevos sentidos inéditos. Las piezas crean elipsis, espacios inéditos de pensamiento que subyacen el campo del conjunto.


Una experiencia en Cali, Colombia, conduce a Wroclaw en Polonia; de ahí a Egipto, de Egipto al Perú, de la meseta de Marcahuasi -a las afueras de Lima-, al valle de Tepoztlán -a las afueras de la Ciudad de México- y al bosque de Fontainebleau cerca de París. De Daniel Ruzo a Jacobo Grinberg-Zylberbaum, de Grinberg a Antonio Velasco Piña y al mito vivo de Regina. De Regina a la actualidad mexicana de 1948 a 1968 y de 1492 a 2012… y a un sueño extraordinario con Barack Obama.

Francois Bucher
Francois Bucher
Francois Bucher
Francois Bucher

La duración del presente, 2012
Técnica mixta, dimensiones variables


Un experimento en neurofisiología de Jacobo Grinberg-Zylberbaum que sugiere que la duración del presente puede expandirse o comprimirse según el estado de la consciencia.

Francois Bucher

El hombre que desapareció. (1er capítulo), 2011
Video HD, color, sonido, 22 minutos; subtítulos en inglés.



The video ends with a statement about the idle state of contemporary man, a being who
knows nothing about itself, and who doesn’t even remember how to ask the questions
that concern it. As the mountain keeper of Amatlán, Don Aurelio would say: we turn
ourselves off (we turn off our vision) as we turn on the TV (the blinding fallacy of artificial tele-vision).
Jacobo Grinberg – the man who literally disappeared in 1994 – states that it is to this man of our times that he addresses his own Syntergic Theory. Because it is to him that he offers a possible center, amidst the prevalent dispersion. Through this theory, Grinberg says ‘ we will be at the very root of the creation of any reality… ‘.

Francois Bucher


The work is nevertheless able to speak about the construction of the image in the sense that Art understands it, and about nature of language. Shamanism is used as a paradigm: the shaman as a being of coherence. And this coherence translates as a being in touch with a Language that produces, transforms, ACTS on the world, in the multi-sphere of what we have, until now, called the sacred. Language in a convex form, rather than concave (referential); a geometric construction, a crystal which plays upon meaning in a pluri- vocal resonance, a power generator, a materializer and a de-materializer of the real.

Francois Bucher

El Experimento de Noruega, 2011
Fotos en blanco y negro y texto
Impresión digital, dimensiones variables
80 x 120 cm


En Agosto del año 2011 organicé una expedición al Circulo Artico, en el norte de Noruega, en las islas Lofoten para conducir un experimento. Invité a algunas personas a que me acompañaran, entre ellas un cientifico que hace experimentos con alucinógenos en sujetos humanos, y un doctor, un psiquiatra que hoy en día escribe teatro. Los otros invitados era gente que había tenido diálogos animados con el mundo de los sueños y de la visión sutil. Mi invitado principal era Isasis Mavisoy Jansasoy, un chamán, un taita de la tribu Inga en la región del Putumayo en Colombia. La idea era trazar la diferencia entre los seres interdimensionales, o egregores que Isaias pudiera percibir en el norte del planeta -durante una ceremonia sagrada- y los que generalmente se encuentra en su selva en Amazónica.

Francois Bucher
Francois Bucher

La segunda y media dimensión – Una expedición a la meseta fotográfica, 2010
Técnica mixta, en dimensiones variables.

Francois Bucher
Francois Bucher

Captura holográfica. Tepoztlán, 2010
Rama de madera encontrada

Francois Bucher

Egregor, 2012
Fotografía y cartas






En 1972 se realizó un experimento en Toronto, Canadá. Ocho reconocidos psíquicos se dedicaron durante más de un año a invocar a un personaje que ellos mismos habían creado. Es decir, antes de la invocación habían inventado el nombre de la entidad y también su biografía. El experimento fue exitoso y Phillip -el nombre que le habían dado-, movió la mesa y respondió a preguntas de acuerdo al perfil que le había asignado el grupo. The Phillip Experiment es el nombre de ese caso y se puede decir que es preciso en el uso de esa misteriosa palabra: Egregor.
Egregor es también la palabra que se puede usar para hacer referencia al hipercampo que crea una colectividad.


Digamos que cuando se abre la puerta del avión en la Ciudad de México se entra en contacto con ese SER VIVO que es la suma de todos los campos neuronales de los mexicanos, el egregor de México, la nación mexicana.
En el año 2012, intentando explicarme la historia que Antonio Velasco Piña escribió como testigo -esa es la palabra que él usa-, me pregunté quién había dormido en la cama de la casa de la calle Alumnos en San Miguel de Chapultepec; la casa donde pasó unos meses Regina en 1968 tras el gran periplo que fue su vida en el Tíbet y China. Todo esto está escrito en el libro de Velasco Piña que se llama Regina. Habían dos caminos: buscar una audiencia con el Dalai Lama, quien habría conocido a la niña avatar mexicana en los años cincuenta en Lhasa; o hablarle directamente a Regina.
Invité a Cristina Cuadra, una médium de México a que pasara horas en ese cuarto y que canalizara lo que le llegaba. Las palabras, frases o párrafos seguirán apareciendo durante el período de esta exposición.
… como me dijo Antonio en una entrevista: “la historia de Regina no es mía, si yo no lo hubiera escrito alguien más la habría encontrado en las estrellas”.

Francois Bucher

El mundo fue plano, ahora es redondo y será un holograma, 2012
Mix media, dimensiones variables

Francois Bucher

El potencial transferido, 2012
Cables de teléfono


Un experimento en neuro-fisiología de Jacobo Grinberg-Zylberbaum que demuestra la paradoja Einstein Podolsky Rosen (spooky action at a distance) más allá del nivel subatómico, al probar la interconexión de los cerebros.

Francois Bucher



Del 5 al 29 de septiembre, 2012


Nothing is new, neither is anything old.
-Robert Smithson, 1967


Las obras aquí presentadas son, en su mayoría, trazos cuyas líneas horizontales, verticales, diagonales e incluso curvas en ocasiones cartografían superficies –a menudo cuadradas– y delimitan improbables territorios geométricos de tonos abigarrados.
Dos series, una de crecimiento exponencial, otra orgánica, se hallan frente a frente; una, razonable y fríamente lógica, la otra, aleatoria y deliciosamente caprichosa. Eduardo Terrazas explora en un juego combinatorio aparentemente ilimitado y sistemático las posibilidades que le brindan compás, reglas, pintura acrílica y lana. Precursora en muchos aspectos, su obra, en gran parte desarrollada durante los años setenta, anuncia muchas de las exploraciones realizadas por quienes vinieron después. Cierto es que Eduardo Terrazas ha recorrido el mundo desde tiempo atrás, mucho antes de que el nomadismo artístico se convirtiese en religión.
Subrayemos también que supo tomarle muy pronto la medida al potencial creativo de la calle mexicana.

Eduardo Terrazas

Inspirado por lo que ve y asimila de los movimientos artísticos a los que se aproxima durante sus estancias en el extranjero, su trabajo participa de aquello que los años sesenta fomentan.
Aun cuando las influencias del arte concreto, e incluso del neoconcreto y del op art resultan manifiestas, el artista tampoco permanece sordo a las seducciones provocativas del psicodelismo de mediados de los años 1960; cuando menos, hace suyas sus consecuencias cromáticas.
Un encuentro favorece la simbiosis de esas pasiones estructurales y vernáculas: en 1971, Eduardo Terrazas inicia su colaboración con el artista huichol Santos Motoaaopohua de la Torre de Santiago. Juntos, durante cerca de cuatro años consecutivos, desarrollan una larga serie de composiciones geométricas de colores, hechas de estambre de lana pegado con cera de Campeche sobre madera.
La obra de Eduardo Terrazas reaparece a intervalos imprevisibles e irregulares y se ríe quedito del tiempo.
— Michel Blancsubé

Eduardo Terrazas
Eduardo Terrazas
Eduardo Terrazas
Eduardo Terrazas
Eduardo Terrazas
Eduardo Terrazas
Eduardo Terrazas
Eduardo Terrazas


Del 12 de abril al 16 de junio, 2012





















gente, algo, gente.
Un fotografía (invertida) de dos personas, una de ellas mirando fuera de cuadro, después cinta dorada y después alguien más (desde afuera) viendo esto.

Algo (alrededor, de regreso)
Una barra de aluminio de piso a techo (2.46 metros), sostenida a presión, mandado dorar (con el mismo proceso que doran los trofeos baratos [alguna vez el aluminio fue mas valioso que el oro]).



Estimado Sr. ___(de un desierto a una montaña a una cascada)
Impresión por inyección de tinta a tres capas.

80 cm x 246 cm
Madera, 2 x 4 x 84 cm

Estimado Sr. __ (de un desierto a una montaña a una cascada) Tres paisajes ( Flickr), Plotter de inyección de tinta Epson 9800.
Estimado señor ____, hay que imprimir la foto del desierto después regresar el papel al inicio del rollo (manualmente) e imprimir encima la foto de la montaña, regresar nuevamente el papel y finalmente imprimir la foto de la cascada. No importa si queda todo negro. Hay que dejar papel extra, en total tiene que medir 2.46 metros.



Live Chat.
Marcador fosforescente vaciado en agua.

Sin título.
Un dibujo aproximado de lo anterior, del mismo tamaño.

Impresión digital en seda gris.
80 x 246 cm
. Madera 2 x 1 x 130 cm
Única

Materiales para hacer moldes de la vida real.
“El alginato es el material preferido para hacer impresiones rápidas (4 min.). Se usa para hacer réplicas detalladas ya que logra capturar hasta los poros de la piel. Los moldes de alginato deben usarse durante las primeras 24 horas ya que el material se encoge y se distorsiona conforme el agua se evapora reduciendo su tamaño hasta un 40%. Del manual “Prop Builder ́s Molding and Lifecasting Handbook.”

Persona recargada de la cabeza, un extra


Persona recargada del codo, un extra.


Sin título. Escultura que empezó siendo del mismo tamaño que la repisa.



Sin título (momentomaterial). Escultura que empezó siendo del mismo tamaño que la repisa.

La especulación es inútil (para exteriores)
Barra de aluminio anodizado
4.5 x 10 x 108 cm.



Del 4 de febrero al 24 de marzo de 2012






El trabajo de Aleksandra Domanović’s se concentra en la circulación y recepción de imágenes e información, especialmente a medida que éstas cambian de significado, pasando por diferentes contextos y circunstancias históricas. Recientemente, Domanović ha enfocado su atención en las formas complejas del flujo de la cultura de la imagen y de la información que se han formado en un ambiente de postguerra de la antigua Yugoslavia.


A través del performance, el video y la instalación, Sharon Hayes examina la intersección entre la historia, la política y el discurso público, enfocándose particularmente en el lenguaje de los grupos de protesta del siglo XX. Al apropiarse de las herramientas de la manifestación pública, Hayes reconfigura la imagen del protestante de forma que desestabiliza las expectativas del espectador y amplía las posibilidades y los retos de modelos pasados que reviven dentro de un presente cínico. Representando protestas, pronunciando discursos y llevando a cabo demostraciones, la artista realiza intervenciones que destacan la fricción entre actividades colectivas y acciones personales.

Domanovic Hayes

Aleksanda Domanović, 19:30, 2010/11.
Video HD, color, sonido. 11 min.


Tomando el título del horario nocturno de los programas televisivos de noticias de la antigua Yugoslavia, el proyecto de Domanović 19:30, es una antología de los títulos del noticiero y los temas musicales de la primera transmisión televisiva de noticias de Yugoslavia en 1958 hasta el presente; así como una colección de los remixes, ediciones y nuevas versiones que fueron comisionadas. El trabajo de Domanović comenzó en 2010 cuando la artista viajó por las antiguas repúblicas de Yugoslavia, visitando las cadenas de televisión y archivos nacionales de Bosnia-Herzegovina, Croacia, Montenegro, Kosovo, Macedonia, Serbia y Eslovenia. Invitó a dj´s de música tecno para colaborar en el proyecto, los cuáles utilizaron el material que Domanović había recolectado como muestra para mezclar la música. El proyecto yuxtapone los valores musicales, históricos y psicológicos de dos diferentes experiencias colectivas: ver el noticiero de noche, que atrajo a masas de gente de todas las diferentes nacionalidades de la antigua Yugoslavia a sentarse delante de sus televisores todas las noches a las 7:30; y el poder de la música electrónica para unir a los jóvenes de estas naciones.

Domanovic Hayes

Sharon Hayes, I March In The Parade of Liberty But As Long As I love You I’m Not Free, 2007/8
Instalación de audio (1 sistema de PA), aerosol sobre papel. Marco: 65 x 50.8 cm


En sus proyectos más recientes, Hayes entreteje el discurso íntimo en un contexto determinado, con la intención de ampliar las implicaciones que tiene la voz individual en el cuerpo político. I March In The Parade of Liberty But As Long As I Love You I’m Not Free, es un performance que se llevó a cabo desde diciembre 2007 hasta enero de 2008 en Nueva York, en él, Hayes se dirigió a un amante anónimo ausente hablándole por un altavoz. Mientras que hablaba sobre el amor y el deseo, la artista mencionaba la guerra en Iraq para enfatizar la manera en que la guerra interrumpe nuestras vidas diarias, nuestras actividades, nuestros deseos, nuestro amor. Siguiendo con la interrogante reconocida de Hayes sobre la distancia infinitesimal que separa lo público de lo privado, este trabajo es también un reflejo de la diferencia entre hablar y escuchar –una especie de confesión que combina el lenguaje de la política, la transmisión de secretos y el idioma del amor.

Domanovic Hayes

Aleksanda Domanović (Novi Sad, antigua Yugoslavia, 1981) vive y trabaja en Berlín. Sus próximas exposiciones individuales incluyen: Kunsthalle Basel (curada por Adam Szymczyk); Villa du Parc (con Oliver Laric), Annemass, Francia; SPACE, Londres; y Tanya Leighton Gallery, Berlín. Su trabajo se presenta actualmente en el Kunstlerhaus Bethanien, Berlín y en el Sculpture Center de Nueva York. También ha sido comisionada para crear una obra de arte público para la 4ª Bienal de Marruecos (29 de febrero – 30 de mayo de 2012). Recientemente ha expuesto en ‘Banal Inferno’, CCA Glasgow (2011); ‘The Present’s Present’, Centré d’art Nechâtel, Francia (2011); ‘Based in Berlin’, n.b.k., Berlín (2011); ‘Imagine Being Here Now’, 6a Bienal Momentum, Moss, Noruega (2011); ‘Free’, New Museum, Nueva York (2010).

Sharon Hayes (Baltimore, Maryland, USA 1970) vive y trabaja en Nueva York. Algunas de sus exposiciones para 2012 se llevarán a cabo en el Museo Reina Sofía, Madrid; The Whitney Museum of American Art, Nueva York y Tanya Leighton Gallery, Berlín. Actualmente su trabajo se presenta en el Art Institute de Chicago (exposición individual); Frankfurter Kunstverein, Frankfurt am Main; Museum of Modern Art, Nueva York; Deutsche Guggenheim, Berlín; Michel Rein Gallery, París; y Marginal Utility, Filadelfia. Su trabajo se ha expuesto internacionalmente incluyendo la 54 Bienal de Venecia; Bienal de Estambul; Trienal de Yokohama; Trienal de Auckland; Documenta 12 (trabajo en colaboración), Kassel; Fundación Generali, Viena; P.S.1 Museo de Arte Contemporáneo, Nueva York; Guggenheim, Nueva York; Whitney Museum of American Art, Nueva York; Museum Moderner Kunst (MUMOK), Viena; Warhol Museum, Pittsburg; Artist Space, Nueva York; Art-In-General, Nueva York; New Museum of Contemporary Art, Nueva York; Lisson Gallery, Londres; y Kunstmuseum, St. Gallen.


Del 9 de septiembre al 30 de octubre de 2011






















John Menick
Music for Insomniacs, 2011
Track

Music for Insomniacs

Olivier Laric
Variations, 2010
Video HD a color, sonido.
9 min.

Music for Insomniacs
Music for Insomniacs
Music for Insomniacs

Theo Michael
Transhumanist Globe, 2011
Collage, impresión lambda, marco de aluminio


Theo Michael
The Human Highlight Film, 2011
Collage, impresión lambda, marco de aluminio

Music for Insomniacs
Music for Insomniacs



Del 16 de julio al 13 de agosto, 2011






Two Ways to Fall es el título de esta exposición así como de una de las obras, retomado de una canción de música country que trata sobre enamorarse y desenamorarse. El tema clave de esta exposición es el balance entre el movimiento y el aislamiento representado con el propio pasado y posible futuro de los materiales de las obras.
En la terraza, se encuentra una escalera insertada en una gran piedra volcánica. Beginning Happening (Fig.8) (2011) da continuidad a una serie de esculturas en las que Marie Lund coloca objetos domésticos ligeramente incrustados en las piedras, respetando el resto de la forma. Los minerales, como materiales prehistóricos, en relación a objetos cotidianos, sugieren una escala humana; recrean formas figurativas que permiten conocer al mineral, como material sólido y aprencible.
Two Ways to Fall (2011) es un móvil de dos elementos orgánicos suspendidos en el techo, pero de composiciones diferentes, mientrás que la madera perderá peso por el paso del tiempo la concha lo irá adquiriendo por la adisión de particulas ambientales. Por lo que algo que un momento se encontraba balanceado, en el futuro este equilibrio se perderá.

Two Ways to Fall, 2011
Madera, concha fosilizada.
100 x 150cm.
Única

Esta exposición apunta hacia la permanencia y la transformación de los objetos; la manera en que los materiales son modificados por el hombre en la formación, tallado o construcción de un objeto, o cómo son desgastados por el tiempo. Bump and Hollow (2011) mira a una superficie entre el adentro y el afuera de un objeto, y a la forma de dentro y de fuera del espacio en el que es colocado. El objeto de bronce ha sido colocado debajo del piso de la galería solamente es indicado por esta forma: el chichón que crea cuando se empuja a sí mismo hacia el espacio.
La exposición también incluyó dos textos de Francesco Pedraglio de su serie de escritos aún en curso Theory of Budapest (Fragmented entries of an object’s diary).